Ano: 2020

  • O Orfanato da Srta. Peregrine para Crianças Peculiares

    O Orfanato da Srta. Peregrine para Crianças Peculiares

     Uma história de ficção criada a partir de fotografias antigas? Conheça a literatura verbo-visual de Ransom Riggs!

    Você com certeza deve ter lembranças de livros infantis e infanto-juvenis repletos de ilustrações que ajudam a tornar a leitura mais interessante, lúdica e colorida. Mas o livro sobre o qual vou falar hoje neste #dicade é um pouco diferente daqueles que você já deve conhecer. Na verdade, ele é bastante surpreendente se levarmos em consideração como se deu o seu processo criativo. Uma dica: tem tudo a ver com o que nós do Cultura Fotográfica amamos. Isso mesmo… fotografia!

    Um exemplar do livro é visto sobre uma mesa próximo a outras obras literárias, com um pires com biscoitos e uma xícara de café parcialmente visíveis no lado esquerdo na imagem. 
    Kaio Veloso. Capa de O Orfanato da Srta. Peregrine para Crianças Peculiares.

    A experiência de leitura de O Orfanato da Srta. Peregrine para Crianças Peculiares, publicado no Brasil pelas editoras Leya e Intrínseca, não poderia ter sido mais curiosa. Jamais poderia imaginar que aquela imagem da capa – uma garotinha flutuando alguns centímetros acima do chão, claramente uma montagem (do tipo tosco, que te faz querer rir) – poderia indicar, assim como as demais presentes ao longo do livro, algo mais do que um teor meramente ilustrativo. É com muita estranheza que adentra-se na história criada pelo americano Ransom Riggs , que começou a ter seus volumes publicados em 2011 e foi adaptado para o cinema em 2016, sob direção de Tim Burton.

    Se até certa altura o fato de as personagens descritas terem as mesmas características que aquelas figuras misteriosas das fotografias parece uma mera coincidência (Ele deve ter tido sorte em achar essas fotos para o livro) ou uma estratégia pensada (Elas devem ter sido produzidas exatamente para isso) logo, as coisas começam a ficar um pouco mais complexas, afinal, parece que ambas as coisas, imagens e texto, são praticamente uma coisa só. Mas como isso é possível? A resposta vem ao final do livro, quando há uma listagem de colecionadores de fotografias vintage (o próprio Rigs consta na lista) e as coisas começam a ficar um pouco mais claras.

    Tudo bem. As fotos são reais. Mas por quê alguém tiraria fotos tão estranhas e com esses efeitos de décadas atrás? Afinal, não estamos falando de uma foto posada em uma reunião de família ou uma cena de um cotidiano bucólico, mas de uma garota que parece segurar uma luz sinistra, gêmeos em fantasias esquisitíssimas e a já citada  garota flutuante. Nesse ponto, as coisas já ficam mais nebulosas. É difícil dizer ao certo quais são as histórias por trás dessas imagens, mas o que podemos afirmar é que truques antigos de montagem fotográfica foram usados para criar muitas dessas cenas.

    O livro é visto aberto sobre uma mesa. Na página esquerda, há uma fotografia de uma criança que olha diretamente para a câmera, com olhos iluminados e com as mãos em forma de cúpula de onde emana uma luz branca. Na página direita, há texto corrido. 
    Kaio Veloso. Visão interna do livro O Orfanato da Srta. Peregrine para Crianças Peculiares.

    O mais legal nisso tudo é que o processo criativo aconteceu a partir de uma  sugestão do editor de Riggs (que originalmente apenas faria um livro especialmente para o Halloween com uma seleção da sua coleção pessoal de fotografias antigas) que lhe incentivou a criar um romance a partir das imagens, imaginando como seria uma história em que aquelas crianças estranhas fossem as personagens. E assim, nasceu a saga que acompanha Jacob Portman, um garoto de 16 anos que parte para uma viagem ao País de Gales para buscar  a verdade sobre o assassinato de sua avó, e descobre crianças com dons especiais, tais como invisibilidade e manipulação de fogo, vivendo no orfanato da Srta. Peregrine, uma mulher que é capaz de se transformar em um falcão, isso dentro de uma fenda temporal que os mantêm na década de 1940 como meio de sobreviverem a seus inimigos. 

    Pode-se dizer então que os livros que compõe a série (as continuações são os títulos Cidade dos Etéreos, Biblioteca das Almas e Mapa dos Dias) possuem uma forma de narrativa verbo-visual, já que as imagens presentes vão além da mera função de ilustração, mas compõem parte da história, sendo inspiração e parte dela ao mesmo tempo, à medida em que são mencionadas no texto e ajudam a compreendê-lo e até mesmo adentrar com mais intensidade na obra.

    Você pode adquirir o livro aqui  e aqui

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  • Daido Moriyama

    Daido Moriyama

    Suas fotografias fogem dos padrões estéticos com que estamos habituados, tornando Daido um dos fotógrafos com estilo mais distinto da atualidade.

    Daido Moriyama nasceu no Japão na cidade de Ikeda, Osaka, no ano de 1938. Ele começou a estudar fotografia com o famoso fotógrafo de arquitetura Takeji Iwamiya e  em 1961 se mudou para Tokyo. Seu primeiro livro de fotografias, Nippon Gekijo Shashincho, foi publicado em 1968, desde então ele publicou vários outros e foi agraciado com vários prêmios como o Infinity Award do Centro Internacional de Fotografia de Nova York. 

    Na foto podemos ver um cachorro preto olhando diretamente para a câmera com a boca aberta.
    Daido Moriyama, Cão vadio, 1971

    Daido segue o are-bure-boke, uma vertente da fotografia que consiste em fotos muito granuladas ou cheias de ruído, tremidas, com grande contraste e desfocadas. Ele usa esse estilo, desde seu primeiro livro, para criticar a desenfreada industrialização  de seu país, que vinha impondo aos japoneses um estilo de vida consumista e ocidentalizado, causando aumento das desigualdades sociais. 

    Dessa forma, ele foge dos padrões do ocidente e busca fotografar as áreas marginalizadas e esquecidas de Tokyo, sempre utilizando uma câmera compacta Ricoh. O resultado não são fotos belas e agradáveis aos olhos, mas chocantes que carregam algo místico e hipnotizante, quase como memórias distantes.

    Uma mulher nua está sentada em uma cama fumando um cigarro. Ao lado dela podemos ver um interruptor na parede, um abajur e o que parece ser uma pia, A imagem é escura, muito granulada e um pouco desfocada.
    Daido Moriyama, Provoke No. 2, 1969
    A imagem é muito escura e granulada, a única coisa que podemos ver são vários postes de luz.
    Daido Moriyama, A estrada que divide pessoas, 1969
    Em primeiro plano vemos o rosto desfocado em uma pessoa que parece estar muito próxima ao fotógrafo, ao fundo vê uma criança agarrada às grades de proteção de um porto observando um navio no mar.
    Daido Moriyama, Um porto e uma navio. 1972
    Em primeiro plano vemos uma criança parada com as mãos nos bolsos, ela está vestindo uma camisa listrada e uma calça que está presa a um suspensório. A criança está com os olhos revirados e há um contorno luminoso a sua volta. No fundo podemos ver uma carro passando pela rua.
    Daido Moriyama, As três vistas do japão Nº3, 1974
    Uma mulher vestida com uma lingerie está sentada em uma poltrona branca, fumando um cigarro. Ao lado dela podemos ver uma cama e uma abajur.
    Daido Moriyama, Sem título, 1969

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    Links, Referências e Créditos

    Como citar esta postagem

    CAVALHEIRO, Pedro Olavo Pedroso. Daido Moriyama. Cultura Fotográfica (blog). Disponível em: <https://culturafotografica.com.br/galeria-daido-moriyama/>. Publicado em: 11 de nov. de 2020. Acessado em: [informar data].

  • Fotografia pelo Buraco de Agulha

     Conhecida como fotografia furo de agulha, a técnica é rudimentar, no lugar de lentes, usa-se um furo de agulha, para captar luz.

    Desde sua invenção, a tecnologia fotográfica encontra-se em contínuo desenvolvimento e aperfeiçoamento. Apesar disso, alguns fotógrafos, que atuam dentro do campo das artes visuais, utilizam materiais e procedimentos rudimentares, como as câmeras de orifício, feitas muitas vezes, por materiais e procedimentos antigos, como é o caso da câmera artesanal, o pinhole
    Ver o peso pelo furo da agulha. Dirceu Maués, 2004. 
    Conhecida também como fotografia estereoscópica, o pinhole consiste na obtenção de imagens, a partir de uma câmera artesanal, feita com materiais não convencionais,  como caixas de leite, esparadrapo, ou fósforo.
    O princípio técnico da câmera pinhole está diretamente relacionado à câmera escura. Para que a imagem se forme no interior da câmera escura, é necessário que a luz entre por meio de furo e atinja o material fotossensível.  Assim, se o orifício for grande, o tempo de exposição será menor, o que acarretará na nitidez da imagem formada no interior do aparelho.  Desse modo, se o tamanho do buraco feito pela agulha for menor, mais nítida será a imagem, no entanto o tempo de exposição será maior.
    Dirceu Maués (Belém, PA, 1968) em sua série de composições “Ver o peso pelo furo da agulha”, registrou mais de 400 fotos do mercado de Belém em uma pinhole feita com caixa de fósforo. O artista registrou belas composições em que se destaca o movimento, pelo jogo de sombras,  levando ao observador a uma atmosfera utópica.   
    Ver o peso pelo furo da agulha. Dirceu Maués, 2004.
    No registro de Maués é notável a ideia de tempo. Essa característica que perpassa toda a obra “Ver o peso pelo furo da agulha”, leva o observador a sensação de um constante movimento e dinamismo daquele cenário. Dirceu constitui a partir do pinhole, um diálogo entre o subjetivo, seu jeito de representar o mundo, e o real, o objeto ali fotografado. A escolha por processos alternativos,  transmite a inquietação de diferentes fotógrafos ao experimentar uma linguagem diferente da convencional. Ela por si só, justifica que os artistas procurem novas respostas em um contexto de mecanismos cada vez mais sofisticados. 
    Aprenda a fazer um pinhole
    O que achou desta técnica? Nos conte e experimente criar uma pinhole. Assista o vídeo e confira o passo a passo. Depois nos mostre e conte-nos o resultado! 
  • “Frank” Amy Winehouse pelas lentes de Charles Moriarty

    A capa de um disco pode ser tão interessante quanto as músicas. Convido, vocês a experimentarem o álbum “Frank” de Amy Winehouse.

    Para os apreciadores de músicas, a capa de um disco torna-se tão interessante quanto as canções. Afinal, em muitos casos, o conceito visual está diretamente ligado ao momento de composição ou de criação da artista ou da intérprete. Como é o caso do álbum de estreia da cantora britânica Amy Winehouse.
    Lançado em 20 de outubro de 2003, o álbum intitulado “Frank”, em referência ao cantor Frank Sinatra, artista de espírito carregado ou de personalidade forte, pode ser captado como atmosfera central do CD, que conta com 13 faixas e se conceitua como um retrato íntimo das experiências de uma jovem de 19 anos.
      Capa do álbum Frank, de Amy Winehouse.

    O fotógrafo Charles Moriarty é o nome por trás da capa de Frank. O álbum de Jazz e Neo Soul, carrega a imagem de um momento de descontração da cantora passeando com dois cachorros. O ensaio produzido por Moriarty carregava um conceito íntimo e cheio de vitalidade, como a personalidade da cantora. Em entrevista ao site britânico “Dazed”, em 2017, o fotógrafo conta que  “Não era para ser a projeção de uma garota na indústria musical ou de uma garota lançando o primeiro álbum, era apenas para ser a Amy”.  
    O álbum que apresenta singles como Stronger Than Me e Fuck Me Pumps, se constrói em atmosferas de força, delicadeza e personalidade. Um disco coeso, desde sua composição visual que dialoga muito bem com a proposta de trazer o lado íntimo, feminino, forte e delicado para apresentar uma artista genial. 
     
    Confira algumas fotos do ensaio de composição visual de “Frank”. 
    Amy Winehouse, Nova Iorque 2003, CHARLES MORIARTY
    Amy Winehouse, Nova Iorque 2003, CHARLES MORIARTY

    Amy Laughing, The Ritz Tower, Nova York 2003

    E aí, o gostaram do #dicade de hoje? Conte-nos sua impressão sobre o álbum Frank e sua composição musical e visual. O que acharam? Compartilhe conosco aqui ou em nosso instagram.

  • Edward Honaker

    Edward Honaker

     

    Fotógrafo que através da fotografia, mostrou as angústias que a ansiedade e depressão causam.

    Edward Honaker é nascido no estado da Califórnia, nos Estados Unidos, no ano de 1994. Especializado em fotografia de moda, faz diversos ensaios para revistas e marcas de roupas. É também um grande influencer de moda masculina, muito conhecido pelo seu estilo alinhado e sempre atualizado com a moda contemporânea.

    Diagnosticado com ansiedade e depressão, distúrbios que hoje em dia fazem parte do cotidiano de muitas pessoas, Edward Honaker em 2014, encontrou em sua própria profissão, uma forma de mostrar e até mesmo aliviar angústias causadas por doenças, fazendo autorretratos, com ajuda de recursos gráficos, para colocar elas em discussão.

    Confira abaixo algumas dessas fotografias, alertamos aos leitores que o conteúdo possa ser sensível a algumas pessoas.

    Legenda: Edward Honaker, 2014

    Descrição: Na imagem temos um homem caucasiano, vestido com paletó e gravata, e seu rosto está distorcido, não testando visível. Atrás temos uma parede com desenhos de flores.

    Legenda: Edward Honaker, 2014.

    Descrição: Série de três fotografias que mostram uma sequência. A primeira mostra um homem parecendo que está caindo de um prédio. No canto direito podemos ver uma parede de tijolos. A segunda fotografia mostra o mesmo homem dentro da água, afundando, como se estivesse acabado de se jogar, fazendo complementação da primeira fotografia. A segunda fotografia mostra o mesmo homem dentro da água, afundando, como se estivesse acabado de se jogar, fazendo complementação da primeira fotografia.

    Legenda: Edward Honaker, 2014.

    Descrição: na fotografia vemos uma pessoa com uma camisa de estampa floral. Sua cabeça está coberta por um pano também de estampa floral e atrás temos o que parece ser uma parede com estampa de flores. A pessoa ao centro da fotografia fica camuflada com todo o conjunto de estampas.

    Legenda: Edward Honaker, 2014.

    Descrição: Na fotografia vemos um homem deitado sobre um móvel de madeira, parecido com um aparador. Ao lado do homem há uma jarra transparente sem água e dentro dela uma flor seca.

    Legenda: Edward Honaker 2014

    Descrição: Na fotografia vemos a silhueta de uma pessoa atrás do que parece ser uma cortina. Um de suas mãos está levantada, como se estivesse apoiando em uma parede.

    Legenda: Edward Honaker, 2014.

    Descrição: Na imagem vemos uma pessoa vestida com um paletó, de costas, dentro do que parece ser um lago com plantas às margens. A pessoa segura um balão com a mão, que flutua pouco acima de sua cabeça. Essa mesma imagem é refletida pela água do lago.

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    Referencias, Liks e Créditos

  • Linhas retas e linhas curvas

    As linhas são componentes visuais muito importantes e devem ser usadas de modos diferentes se forem, por exemplo, linhas retas ou  linhas curvas.
    Fotografia de um estrada curva vista de cima. as luzes da cidade estão borradas.

    As linhas são componentes visuais muito importantes e devem ser usadas de modos diferentes se forem, por exemplo, linhas retas ou  linhas curvas.
    Fotografia um rio curvo, cercado por estrada dos dois lados. Há muitos carros nas estradas e os faróis estão embaçados.
    Claudio Edinger – Machina Mundi SP Plate 03
    Descrição: Fotografia um rio curvo, cercado por estrada dos dois lados. Há muitos carros nas estradas e os faróis estão embaçados.
    Aqui no blog já falamos diversas vezes sobre linhas e sua importância e você pode ler aqui (link) e aqui (link). Como tudo o que tem contorno tem linha, é quase impossível fugir delas na composição da fotografia. O ideal é, portanto, utilizar os significados que as diferentes linhas possuem para ajudar a compor a mensagem da fotografia.
    As linhas retas, por exemplo, transmitem no âmbito emocional o que elas são fisicamente, ou seja, rigidez, solidez e firmeza. Observe a fotografia abaixo, a ponte, composta por linhas retas, quebra a expectativa do rio como um elemento símbolo de calma, dando um pouco de austeridade à imagem.
    Fotografia da ponte Rio-Niterói.
    Claudio Edinger – Machina Mundi Rio Plate 06
    Descrição: Fotografia da ponte Rio-Niterói.
    A fotografia é de Claudio Edinger, carioca que já trabalhou paras as revistas Time, Newsweek, Life, Rolling Stone e Vanity Fair e publicou dezessete livros. Suas fotos são feitas com uma câmera de grande formato e utilizam foco seletivo. As fotografia escolhidas misturam elementos urbanos com paisagens naturais, mostrando como o ambiente pode nos proporcionar as linhas que comporão a fotografia.
    No caso das linhas curvas, que são tranquilas e maleáveis, pense, por exemplo, em elementos da natureza que transmitem calma como montanhas, ondas ou nuvens e como eles possuem linhas curvas. Observe, na fotografia abaixo, como os elementos sozinhos podem compor as linhas na fotografia:
    Fotografia de uma ponte curva em uma cadeia de montanhas.
    Claudio Edinger – Machina Mundi SP Plate 05
    Descrição: Fotografia de uma ponte curva em uma cadeia de montanhas.
    Com tudo o que foi explicado sobre linhas, é possível fazer incríveis combinações. Por exemplo, utilizar a orientação vertical para dar ênfase às linhas verticais e a orientação horizontal para enfatizar linhas horizontais. Também é possível utilizar linhas verticais e retas para levar a sensação de poder e solidez ao máximo e linhas curvas e horizontais para que aconteça o mesmo em uma foto em que se deseja transmitir tranquilidade.
    A fotografia abaixo mistura essas noções para equilibrar as sensações. As grades, que por si só são símbolos de dureza e cuja a orientação vertical a ressalta, aparentam serem curvas abrandando a mensagem de rispidez para tristeza.
    Fotografia em preto e branco de um homem segurando barras de grades de proteção. No pátio atrás dele há várias pessoas, algumas sem roupas.
    Claudio Edinger – Madness Plate 09, 1989
    Descrição: Fotografia em preto e branco de um homem segurando barras de grades de proteção. No pátio atrás dele há várias pessoas, algumas sem roupas.
    A fotografia faz parte do ensaio Madness, ou seja, “Loucura”, que retrata a vida no hospital psiquiátrico de Juqueri em São Paulo, onde 3.500 pessoas estavam internadas, sendo o maior hospital psiquiátrico no Brasil. Como é possível perceber pela fotografia, as condições no hospital eram precárias e, de acordo com o jornal Folha de S. Paulo, houve cerca de 50 mil mortes no hospital durante todo o seu funcionamento. Em 2019, ainda haviam 57 pacientes internados, todos idosos, alguns morando lá há 70 anos. Esta fotografia, portanto, é um documento de uma era da psiquiatria brasileira em que internação e tratamento não eram sinônimos.
    Combine todas as noções sobre linhas já ensinadas no blog propositalmente para produzir a mensagem de sua fotografia. É importante que a mensagem e a composição sejam bem pensadas, para isso, utilize um caderno e anote as suas opções. Depois compartilhe suas fotos e suas anotações no nosso grupo de facebook.

    Referências

    • EXCELL, Laurie. Composição, de simples fotos a grandes imagens. Rio de Janeiro: Alta books, 2012.
    • Lightroom
  • Carta para Jane (1972)

     Para refletir sobre o papel dos intelectuais na revolução, Godard produziu Carta para Jane, uma verdadeira aula de como ler uma fotografia.


    Foto publicada no jornal L’express, em 1972, mostrando a atriz Jane Fonda conversando com habitantes de Hanói.
    Descrição: Fotografia em preto e branco. Mostra Jane Fonda, à esquerda, olha atentamente para pessoas que estão à sua frente de costas para a fotografia.
    Em 1972, o Vietnã do Sul e o Vietnã do Norte se encontravam em guerra e os Estados Unidos recebiam constantes críticas por seu apoio ao Vietnã do Sul que resultava em estratégias violentas contra o norte, quando um episódio excepcional se desenrolou: a estrela de Hollywood Jane Fonda viajou a Hanói, convidada pelo governo do Vietnã do Norte, onde visitou as tropas norte vietnamitas, fez transmissões na rádio do país e foi fotografada com prisioneiros de guerra americanos e em uma base utilizada para derrubar aviões dos Estados Unidos. A visita foi resultado de sua militância contra a Guerra do Vietnã e, principalmente, contra a participação dos Estados Unidos no conflito, e foi planejada como uma propaganda pelos norte vietnamitas. O episódio rendeu a ela o apelido “Hanoi Jane”, pelo qual ela é conhecida até hoje, além de ser considerada uma traidora da pátria pelo americanos.
    Porém, enquanto os americanos a julgavam pela propaganda que realizou no país, os cineastas franceses Jean-Luc Godard e Jean-Pierre Gorin, tinham outras críticas a fazer sobre o ocorrido, lançando um curta-metragem para analisar a situação. “Carta para Jane”, é o resultado da reflexão de dois comunistas que desejam pôr uma amiga da revolução no caminho certo, e eles o farão através da leitura de uma única foto. Apesar de ter sido lançado para o cinema, o filme é muito parecido com o que conhecemos hoje como podcast, tendo algumas fotos exibidas (obviamente, a foto a ser analisada ocupa mais tempo na tela), enquanto Godard e Gorin literalmente leem uma carta para Jane.
    A foto que inspirou o filme foi publicada no jornal francês L’express, em agosto de 72, e a justificativa dos cineastas para que essa foto fosse analisada é que “milhares de pessoas usaram essa foto para ir ao Vietnã” e resta saber “como foram”, qual a maneira que as foto as transportou ao país asiático. Eles também utilizam a fotografia para discutir que papel devem ter os intelectuais na revolução, visto que ambos são diretores de cinema e o uso de imagens faz parte do seu método de revolucionar.
    A foto em questão  mostra a americana olhando uma pessoa a sua frente (um vietnamita), com uma expressão séria. A pessoa que ela observa está de costas para a foto e não é possível ver o seu rosto, enquanto o da própria atriz é visível. Em segundo plano supostos vietnamitas aparecem desfocados. Os diretores, porém, buscam interpretar, além da própria imagem, fatores externos a ela.
    Esse modo de interpretar me remeteu imediatamente ao ensaio “A mensagem fotográfica”, no qual seu autor, Roland Barthes, organizou os meios de construção da mensagem da fotografia de imprensa, cuja a totalidade “é constituída por uma fonte emissora, um canal de transmissão e um meio receptor. A fonte emissora é a redação do jornal […] O meio receptor é o público que lê o jornal. E o canal de transmissão é o próprio jornal…”. Não é absurdo, portanto, que Godard e Gorin considerem como elementos da sua análise o fato de que a foto foi feita do jeito que foi feita para que pudesse ser veiculada nos jornais ocidentais. Assim sendo, havia um  meio receptor específico para o qual a mensagem foi construída, além de um canal de transmissão que era alheio ao assunto da fotografia. Além disso, eles destacam que o texto que acompanha a foto, incluindo a informação sobre o fotógrafo e a atriz, foi escrito pelos redatores do jornal, sem consultar a delegação vietnamita na França, isto é, a fotografia possui uma fonte emissora que também tinha propósitos diferentes aos daquele que visavam os norte vietnamitas.
    A redação do jornal também é responsável pelas legendas da fotografia, fonte conflituosa de interesses, pois como Godard e Gorin enfatizam: “Essa fotografia, como toda fotografia, é fisicamente muda e fala pela boca da sua legenda”. E, neste caso, a legenda diz “Jane Fonda faz perguntas ao povo de Hanói”, enquanto a imagem mostra Jane de lábios fechados, aparentemente apenas escutando, enquanto o jornal não se preocupa em apresentar as perguntas que foram feitas ou as respostas que foram dadas. O jornal dá importância apenas à estrela de Hollywood, seja ouvindo ou perguntando, e não ao outro lado implicado na ação de ouvir ou perguntar.
    O que os diretores consideram “elementos menos elementares”, por sua vez, fala dos aspectos da composição, aqueles escolhidos pelo fotógrafo para que a foto chegasse no L’express. Eles citam a escolha de deixar Jane no plano principal (enquanto aos vietnamitas estão reservados os plano internos), o enquadramento que mostra a atriz que olha e não quem ela olha e a escolha do contra-plongé, que, como eles esclarecem, seus significados sociais já haviam sido delimitados por Orson Welles em seus primeiros filmes como um modo de colocar o ator enquadrado em uma posição de superioridade, ou no caso de Jane Fonda, na posição de uma estrela de Hollywood.
    Em conjunto com esses fatores, há a escolha das outras fotos que constroem a fotorreportagem do L’express, mostrando a atriz em cenas banais no Vietnã, sem que as fotos conversem entre si (principalmente para explicar o que não se pode captar na foto principal) e sem que o texto que as acompanha dê mais detalhes sobre os habitantes de Hanói que aparecem ali. Essas acepções também me remeteram a “Mensagem Fotográfica”, em uma parte específica em que é citada a relação entre o texto e a fotografia para a construção da mensagem. Para Barthes, o texto é um parasita da imagem que traz a tona significados secundários, como uma moral que não se pode ver. A legenda da foto em Hanói, ao sugerir uma conversa, preencheria, segundo Godard e Gorin, a expressão vazia de Jane de empatia e benevolência.
    Eu acredito que se a legenda nesse caso obtém êxito, é porque se une a um elemento que Barthes denomina “pose”. Mesmo que não estivesse consciente da fotografia, a maneira como foi retratada, com o olhar focado na pessoa que fala consigo (mesmo se esse foco tiver durado só o mísero instante que o obturador foi acionado) faz com que a fotografia aceite a legenda. Além disso, a combinação das fotografias dentro da reportagem pode ser vista como um processo que o semiólogo denomina “sintaxe”, ou seja, a mensagem é influenciada pela leitura da sequência de fotografias. Assim, se as outras fotografias relatassem outros momentos da suposta conversa com os vietnamitas, a construção da mensagem poderia pender para um maior protagonismo dos revolucionários.
    O filme foi capaz de me trazer essas e várias outras referências de leitura fotográfica, algumas que eu nem sabia possuir e, mesmo que eu ache que Godard e Gorin estavam agindo de má-fé e utilizando dos conhecimentos sobre composição fotográfica para tornar a sua interpretação verdadeira, me vi utilizando as minhas próprias referências para contemplar as referidas no filme, construindo aquela análise que nem era a minha. Não é à toa que, quando Susan Sontag trata do filme em seu livro ao discorrer sobre legendas de fotografias, o considera “uma lição exemplar de como ler qualquer foto, como decifrar a natureza não inocente do enquadramento, do ângulo, do foco de uma foto”. Na minha opinião (e eu me sinto à vontade para usar a expressão, tendo em vista a imensa quantidade de vezes que é usada no filme), é também um exemplo de como todos os princípios compositivos e aspectos da denotação e conotação fotográfica podem ser usados para reconstruir a mensagem da fotografia, de acordo com o sentido social que foi produzido em cima desses artifícios.

    Referências:

  • Gioconda Rizzo

    Foi a primeira fotógrafa a dirigir um estúdio de fotografia na cidade de São Paulo, se tornando uma inspiração para mulheres de todo o país.

    Gioconda Rizzo nasceu em São Paulo em 1897, filha de Michelle Rizzo, dono do Ateliê Rizzo. Com 14 anos fotografava escondida do pai que, quando descobriu, permitiu que a filha fotografasse apenas mulheres e crianças. Na época, era comum fotografar as pessoas de corpo inteiro, em pé ou sentadas mas Gioconda surpreendeu por focar apenas nos ombros e no rosto.

    Foto em preto e branco com Gioconda Rizzo segurando uma foto dela com a família olhando para a câmera.
    Gioconda Rizzo, 2003, Maíra Soares

    Seus retratos chamaram atenção entre as mulheres da alta sociedade e, em 1914, abriu seu próprio estúdio de fotografia em São Paulo, chamado “Photo Femina”. Foi a primeira vez que uma mulher atuou como fotógrafa tendo que fechar seu estúdio, porque descobriu que entre suas clientes, profissional na cidade. Contudo, em 1916, apesar de todo o sucesso, acabou não lhe deu muita escolha. haviam cortesãs da França e da Polônia. A pressão conservadora da época.

    Mesmo com o estúdio fechado, Gioconda não abandonou a fotografia, voltando a trabalhar com o pai. Posteriormente, abriu um novo estúdio fotográfico e trabalhou até a década de 1960. Na década de 1980, teve seu trabalho revisitado, chegando a ganhar uma exposição. Faleceu em 2004, algumas semanas antes de completar 107 anos.

     

    Galeria de Imagens:

     
     
    Gioconda Rizzo

     

    Gioconda Rizzo
    Gioconda Rizzo
     
    Gioconda Rizzo

     

    E aí, o que você achou da história da Gioconda e do impacto dela na fotografia brasileira?Conta para gente aqui nos comentários.

    #galeria é uma coluna de caráter informativo, com periodicidade semanal. É publicada toda terça-feira pela manhã. Trata-se de uma série de postagens que apresenta um recorte da obra de uma fotógrafa ou fotógrafo de relevância artística, cultural, estética, histórica, política, social ou técnica, acompanhadas por uma breve biografia sua. Quer conhecer melhor a coluna #galeria? É só seguir este link.

    Links, Referências e Créditos

    Como citar esse postagem

    COSTA, Clara. Gioconda Rizzo. Cultura Fotográfica. Publicado em: 28 de nov. de 2020. Disponível em: https://culturafotografica.com.br/galeria-gioconda-rizzo/. Acessado em: [informar data].

  • Silhuetas

     

    O uso das silhuetas pode incrementar suas fotos e dar a elas um senso de mistério, como iremos ver em algumas fotografias de René Burri.

    Silhuetas são o contorno de um objeto posicionado contra uma fonte de luz clara, e que nos permitem identificar esse objeto, ainda que não possamos ver sua cor e textura. Esse elemento costuma trazer um senso de mistério e uma estética muito bonita para as fotos, sendo muito usado inclusive em fotografia de moda, como forma de realçar o corpo dos modelos.
    Legenda: São Paulo, Brasil. Rene Burri, 1960 (Magnum Photos)
    Descrição: vemos de um ângulo de cima quatro pessoas que caminham no terraço de um prédio no que parece ser uma metrópole. 
    Para criar uma silhueta na foto, basta posicionar o seu objeto entre a fonte de luz e a sua câmera, de forma que a parte que você irá fotografar não seja iluminada diretamente. Mas não é só isso. Para que a silhueta continue escura na foto o fotômetro precisa mostrar uma leitura negativa, -2 ou menor (utilizando o sistema de medição pontual). 
    A nitidez do contorno da silhueta depende do tipo de luz: com uma luz dura você terá uma borda mais evidente e com uma luz suave os contornos ficarão mais imprecisos. Para saber mais sobre a diferença entre luz dura e luz suave leia esse texto do blog. Dependendo do objeto, uma bicicleta por exemplo, é interessante colocá-lo de perfil para facilitar a identificação. Geralmente o pôr e o nascer do sol fornecem uma luz favorável para essas fotos.
    Um exemplo de fotógrafo que usava muitas silhuetas era René Burri. Nascido em Zurique, Suíça, trabalhou como fotojornalista, percorrendo o mundo e registrando diversos momentos importantes da segunda metade do século XX, como a Guerra do Vietnã e os protestos da Praça Celestial na China. 
    A foto abaixo foi retirada em um centro de treinamento militar em Chicago em 1971. Os helicópteros no fundo, a arma que o homem da foto segura e o capacete que ele usa passam a sensação de que algo muito violento pode estar acontecendo. O fato de vermos apenas o contorno do soldado traz um mistério para a fotografia. No site do museu londrino Tate, é dito que “a iluminação transforma o soldado em um instrumento sem rosto da guerra como os helicópteros atrás dele” (tradução livre). Essa frase define muito bem como o uso da silhueta nessa foto deixa de ser um elemento puramente estético, e ganha significado.
    Legenda: Chicago, Illinois, USA. Rene Burri, 1971
    Descrição: vemos a silhueta do que parece ser um soldado, pois ele está usando capacete militar e carrega uma arma nas costas. No céu atrás do sujeito vemos diversos helicópteros, o que reforça o contexto militar da foto.
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