Autor: Cultura Fotográfica Grupo de Cultura, Ensino, Extensão e Pesquisa da UFOP

  • Light Painting

    O light painting é uma técnica que utiliza a luz para pintar e criar formas em diversos ambientes. Para conhecer um pouco mais e descobrir como se faz esse procedimento, basta ler esse post.


    Quando vemos uma foto com a técnica do light painting (pintura com a luz) surge varias duvidas a respeito de como é feito. Parece algo de outro mundo, porém, com algumas dicas, você também consegue.

    Foto do Hannu Huhtamo em um fundo azul escuro praticando a técnica do light painting com luzes brancas em formatos retangulares e retos
    Hannu Huhtamo

    Pintando com a luz

    Para realizar essa proeza com a fotografia precisamos focar no ISO, abertura e na velocidade . É importante lembrar-se de deixar seu aparelho já programado para fazer a foto em um lugar fixo, seja um tripé ou algo que lhe dê estabilidade. E claro, seu ponto de luz, esse fica a seu critério, pode ser lanterna, vela, diferentes estilos de fonte de luz.

    É possível realizar essa arte tanto com as câmeras profissionais, quanto com seu aparelho celular. Hoje temos infinidades de opções de configurações no modo manual dos smartphones. Para que tenhamos a luminância correta é imprescindível nos lembrarmos de três importantes parâmetros: ISO, abertura do diafragma e a velocidade do obturador. A fim de realizar o light painting é necessário ajustar a exposição para 4 pontos abaixo do necessário para captar a quantidade de luz normalmente adequada. Dessa forma, a imagem ficará totalmente escura. Mas, ao realizar esse ajuste na exposição é fundamental que ocorra uma longa duração, já que para produzir os desenhos requer um certo tempo.

    Hannu Huhtamo hoje mostra para o mundo suas obras de artes feitas com a luz. O finlandês aproveita as noites amenas do seu país para realizar suas façanhas. O fotógrafo gosta de chamar a escuridão de sua tela e a luz de seu pincel, dessa forma transforma as noites longas de verão em projeções surreais. Ele usa diversas variações de fontes luminosas, tais como: lanternas com variações de luz e cores, bastões com luminescência diversa e muitos outros instrumentos que sua criatividade permite imaginar.

    Imagem de uma das fotografias do Hannu Huhtamo em tons azuis, com formatos quadrados e triangulares
    Hannu Huhtamo – Waiting to be found

    Nessa foto é possível observar as diferentes nuances de luz, logo se entende que Hannu optou por mesclar ferramentas de luminosas. Vemos também como ele utilizou das técnicas descritas acima. Usou um local escuro e focou em seus pontos de luz para criar esse efeito, pintando tanto a escultura quanto o ambiente com a luz.


    Agora é sua vez de mostrar levar luz para todos os cantos. Tire suas fotos e aproveite de elementos como as luzes ao seu redor, como faróis, lanternas ou isqueiros. Nos marque através da hashtag (#Fotografetododia) ou do nosso instagram: D76_cultfoto.


    Referências:
    https://lightroombrasil.com.br/dicas-para-tecnica-de-pintura-com-luz-light-painting/
    https://www.hierophant.com.br/arcano/posts/view/Strength/4323
    https://www.flickr.com/photos/hhuhtamo/
    http://www.hannuhuhtamo.com/

  • Eduardo Trópia

    Filho de Milton Trópia, reconhecido retratista ouro-pretano, Eduardo Trópia possui a fotografia em seu sangue. Autor de diversas fotografias de Ouro Preto, o fotógrafo mineiro encanta e indaga a todos com a sua visão sobre a cidade.

    Filho de Milton Trópia, reconhecido retratista ouro-pretano, Eduardo Trópia possui a fotografia em seu sangue. Autor de diversas fotografias de Ouro Preto, o fotógrafo mineiro encanta e indaga a todos com a sua visão sobre a cidade.

    Nascido em 1956, Eduardo é filho do retratista Milton Trópia e da farmacêutica Maria José Trópia. Possui mais de 45 anos de experiência com fotografia. Começou a fotografar profissionalmente no início da década de 1980, em Ouro Preto. Mudou-se para Belo Horizonte no final da década de 1980, e a partir dessa data passou a trabalhar demasiadamente para agências de publicidade da capital mineira e de todo Brasil. Além disso, Eduardo Trópia foi repórter fotográfico da revista IstoÉ e do Jornal o Tempo. Seus trabalhos como freelancer foram publicados em diversas revistas como Los Angeles Time Magazine, National Geographic e Casa Cláudia.

    Assim como Alexandre Martins, fotógrafo que pode ser conhecido aqui, Eduardo Trópia também é participante do Coletivo Olho de Vidro na cidade de Ouro Preto. Nos dias atuais, trabalha também usando o artifício de sobreposições e outros recursos de montagem de imagens, muitas vezes fazendo releitura de antigos arquivos guardados pelo fotógrafo. Além de produzir outras séries de fotografia sempre tentando mostrar a cidade por outros ângulos e perspectivas, Eduardo mantém uma galeria de arte permanente e dá oficinas anuais de fotografias na cidade de Ouro Preto. 

    #galeria é uma coluna de caráter informativo, com periodicidade semanal. É publicada toda terça-feira pela manhã. Trata-se de uma série de postagens que apresenta um recorte da obra de uma fotógrafa ou fotógrafo de relevância artística, cultural, estética, histórica, política, social ou técnica, acompanhadas por uma breve biografia sua. Quer conhecer melhor a coluna #galeria? É só seguir este link.

    Filho de Milton Trópia, reconhecido retratista ouro-pretano, Eduardo Trópia possui a fotografia em seu sangue. Autor de diversas fotografias de Ouro Preto, o fotógrafo mineiro encanta e indaga a todos com a sua visão sobre a cidade.
    Filho de Milton Trópia, reconhecido retratista ouro-pretano, Eduardo Trópia possui a fotografia em seu sangue. Autor de diversas fotografias de Ouro Preto, o fotógrafo mineiro encanta e indaga a todos com a sua visão sobre a cidade.
  • Lightroom


    Lançado em 2013, o aplicativo Lightroom faz sucesso entre os amantes da fotografia. Sua versão para dispositivos móveis é gratuita, porém não apresenta alguns dos recursos disponíveis na versão para computadores.

    Imagem da logo do aplicativo da Lightroom. Possui uma letra L e uma letra R em um tom de azul claro, em um fundo com o tom azul escuro.

    Contudo, mesmo na opção de aplicativo ele não deixa a desejar. Ainda que em um primeiro contato possa haver algum tipo de estranhamento e dificuldade para manusear o editor. Porém, com um pouco de prática e paciência, é possível desenvolver aptidão com esse software de edição imagens.

    O Lightroom nos oferece infinitas opções e combinações para modificarmos nossas imagens. Podemos de maneira muito simples fazer recortes nas fotos e girar a imagem da forma que acharmos ideal, fazendo assim, a foto ficar na posição que desejamos. Temos também a opção de filtros pré-definidos com diversas variações de tom. 
    A Luz é um fator fundamental na fotografia, pensando nisso, a Adobe criou uma opção exclusiva para iluminação, assim, podemos clarear, escurecer e realçar as luzes e as sombras das fotos. São muitas opções oferecidas, e dentre elas, temos a possibilidade de modificar as cores de forma individual, ou a composição total da imagem, isso usando três mecanismos disponíveis no aplicativo: a saturação, o tom e a luminosidade. Usufruindo desses recursos, conseguimos nossa foto ideal. 
    Abaixo segue algumas ferramentas mais usuais que encontramos no Lightroom: 
    A esquerda uma fotografia de uma flor com tons de rosa na ferramenta de cortar e girar. A direita uma fotografia de uma flor com tons de rosa modificada na ferramenta de cortar e girar.
    A esquerda uma fotografia de uma flor com tons de rosa na ferramenta de perfis. A direita uma filtros prontos.
    A esquerda uma fotografia de uma flor com tons de rosa na ferramenta de Luz. A direita uma fotografia de uma flor com tons de rosa  na ferramenta modificada com os efeitos de exposição, contraste, realce e sombra.
    A esquerda uma foto na opção de modificação de cor. Ferramenta mistura de cores selecionada.A direita uma fotografia de uma flor com tons de rosa totalmente modificada, agora com tons mais puxados para o amarelo.
    Demonstração das fotos antes e depois da edição
    Gif



    O Lightroom é bem completo. Nele, conseguimos desenvolver diversas modificações na foto sem precisar de experiência com editor de imagens. Sua interface é bastante intuitiva para funções básicas, rapidamente localizamos e executamos o que queremos. Porém, algumas ferramentas mais complexas impõe dificuldades ao usuário mais leigo e seu uso acaba ficando restrito a fotógrafos mais avançados. 
    Lançado em 2013, o aplicativo Lightroom faz sucesso entre os amantes da fotografia. Sua versão para dispositivos móveis é gratuita, porém não apresenta alguns dos recursos disponíveis na versão para computadores.
  • Plongée, contre-plongée e ângulo normal

    Plongée, contre-plongée e ângulo normal

    Conheça algumas da técnicas utilizadas pelos fotógrafos e cineastas para auxiliar a construção de seus discursos.Já parou para pensar que quando tiramos uma simples imagem de uma paisagem temos uma intenção com ela, mesmo que seja para mostrar para os amigos?  Às vezes, para deixar mais explícita a intenção são pensadas diversas técnicas que são utilizadas pelos fotógrafos, fotojornalistas e cineastas na construção de seus discursos. A escolha do ângulo de visão, nesse caso, tem grande influência nas percepções de quem observa alguma cena ou imagem. Torna-se então, fundamental abordar três fundamentais pontos de vistas: de cima para baixo (plongée), de baixo para cima (contra-plongée) e na altura dos olhos (ângulo normal).
    A palavra ‘’plongée’’ vem do francês e significa mergulho. Ela facilita o entendimento das técnicas de plongée e contra-plongée. O plongée, técnica conhecida também como câmera alta, acontece quando a câmera está posicionada acima do objeto ou personagem principal, fazendo com que o espectador olhe de cima para baixo. Geralmente esse plano é utilizado para diminuir o objeto em foco, criando uma imagem de submissão e inferioridade. Na imagem a seguir de Henri Cartier-Bresson, é possível ver como esse ângulo auxiliou no construção da narrativa que o fotógrafo pretendia ao tentar retratar o contexto de duas personagens que possuem uma profissão marginalizada.
    Duas mulheres estão em uma aparente cabine de madeira que contém duas janelas. A mulher da esquerda está escorada com os dois braços na janela e a parte de cima do corpo está quase todo para fora. Ela está com os olhos quase todo fechado e um semblante simpático. A mulher da direita está aparentemente sentada dentro da cabine e com o braço esquerdo escorado na janela. Ela olha para câmera e usa um colar. Seu semblante também é simpático, porém, sugestivo. A câmera está acima delas.
    Henri Cartier-Bresson. Prostitutas de Cuauhtemoctzin. 1934
    Já o contra-plongée é o contra-mergulho, conhecido também como câmera baixa. Esse faz a atividade contrária do último. A câmera é posicionada de baixo para cima em relação ao objeto e o personagem principal. Esse plano muita das vezes é usado para trazer ao espectador uma sensação de grandiosidade e superioridade. A arte abaixo feita por Shepard Fairey para a campanha de Barack Obama em 2008 trabalha muito bem este ângulo. O artista cria toda sua narrativa ao retratar o candidato olhando para um horizonte e semblante sério, além de também contar com o auxílio das cores e da palavra ‘’hope’’ (esperança) na imagem.
    Em tons de azul e vermelho está a imagem de Barack Obama. Ele está sendo visto de um ângulo debaixo para cima. Ele olha para um horizonte e embaixo dele está escrito a palavra em inglês HOPE.
    Shepard Fairey. Barack Obama. 2008
    O ângulo normal, geralmente em plano horizontal, explora o objeto na altura da câmera, se for personagem na altura dos olhos. Esse, muitas das vezes, nos trazem conforto por ser um ângulo que estamos mais acostumados diariamente. Na foto abaixo de Walker Evans podemos ver como é trabalhado esse ângulo e como ele contribuiu para despertar uma certa intimidade entre a moça fotografada e quem analisa a imagem.
    Em um ângulo normal, uma mulher olha para a câmera. Seu semblante  é bem sugestivo pois ela está mordendo sua boca e tem algumas rugas na cara. Ela está escorada em uma aparente parede de madeira e usa uma blusa com pequenas bolinhas.
    Walker Evans. Alabama Tenant Farmer Wife. 1936.
    Assim como propagandas publicitárias, discursos políticos, matérias jornalísticas a fotografia não é objetiva e tampouco neutra. A escolha do enquadramento, do plano, de edições, entre outras escolhas feitas quando se fotografa, passam por uma série de decisões feitas pelo fotógrafo. Com isso, é sempre válido questionar-se quanto aos usos dessas técnicas para, além de exercitar, procurar as intenções que estão além do que é mostrado nas imagens.

    Referências:

  • Peter Lik

    Até a presente data, Peter Lik é o autor da fotografia mais cara da história. Sua obra Phantom foi vendida por US$6,5 milhões e remete a uma imagem fantasmagórica, tirada no Antelope Canyon, EUA.


    Até a presente data, Peter Lik é o autor da fotografia mais cara da história. Sua obra Phantom foi vendida por US$6,5 milhões e remete a uma imagem fantasmagórica, tirada no Antelope Canyon, EUA.

    O australiano, natural de Melbourne, é especialista em fotografia de paisagens. Tornou-se sinônimo de imagens de cachoeiras, picos de montanhas e desfiladeiros. Uma de suas marcas registradas é o formato “panorama”. Em solo norte-americano, criou um projeto chamado Spirit of America (Espírito da América) no qual saiu para capturar imagens de todos os 50 estados do país. Além disso, já teve obras em exibição no Museu Nacional de História Natural de Washington DC e até estreou uma série da NBC chamada From the Edge. 
    Contando com Phantom, Lik tem quatro fotos entre as 20 mais caras já vendidas. Suas obras já arrecadaram mais de US$700 milhões e são colecionados pela realeza, presidentes e celebridades.

    Referências

  • Splashes

    Splashes podem resultar em fotos incríveis. A imprevisibilidade de como as gotas irão se comportar é capaz de gerar fotos únicas a cada disparo. Fotógrafos que gostam desse tema são verdadeiros artistas pois é preciso muita criatividade, inspiração e paciência para conseguir a “gota perfeita”.


    Splashes podem resultar em fotos incríveis. A imprevisibilidade de como as gotas irão se comportar é capaz de gerar fotos únicas a cada disparo. Fotógrafos que gostam desse tema são verdadeiros artistas pois é preciso muita criatividade, inspiração e paciência para conseguir a “gota perfeita”.

    Uma imagem em dois tons: amarelo na esquerda e azul na direita. Mostra um splash centralizado que remete à figura de uma pessoa usando chapéu na cabeça, com o resto do corpo coberto por uma espécie de guarda chuva
    Twins | Markus Reugels

    Boa parte dos fotógrafos prefere utilizar um estúdio. Assim, podem regular o cenário de acordo com o desejado e ter mais controle sobre todo o processo. É importante ressaltar que tudo faz diferença: o recipiente para o líquido; o tipo, a cor e a espessura do líquido; o tamanho da gota e a altura de onde ela vai cair…

    Não há uma forma única para fotografias de splash, mas algumas dicas podem ser úteis. Usar uma velocidade rápida do obturador, uma abertura grande do diafragma, iluminação artificial colorida, lentes macro e pós-processamento são fatores que podem otimizar sua foto.

    Martin Waugh é físico, formado na universidade de Oregon, EUA. Ele tem um projeto chamado Liquid Sculpture (Escultura Líquida), em que ele fotografa gotas de água e splashes. Para tal, precisa utilizar velocidades muito rápidas para capturar as gotículas com nitidez. O resultado final de suas fotos é fascinante.

    Uma imagem basicamente em azul, mas é possível ver tons de vermelho, amarelo e verde na região central. Mostra um splash centralizado que remete à figura de um dinossauro saindo de dentro da água
    Gooseasaurus 2 | Martin Waugh
    No registro acima,chamado Gooseasaurus 2, é possível ver as ondas que se formam após um splash. Aqui, Martin se preocupou também com a iluminação, adicionando uma espécie de arco-íris à imagem. É interessante ver como o líquido se comporta após o impacto, dando realmente a impressão de que é dinossauro saindo da água. Uma gotinha que se desprendeu em pleno ar também chama a atenção. São detalhes que o olho humano não seria capaz de ver na velocidade real.

    Que tal praticar? Utilize alguns objetos acessíveis que você tenha em casa, como copo e uma lanterna para testar o efeito. Use a tag #fotografetododia e compartilhe com a gente!
  • Alexandre Martins

    Alexandre Martins retrata com sutileza o cotidiano da cidade de Ouro Preto, desde a década de 1980. Confira a pequena biografia do fotógrafo e fique mais por dentro da história de um carioca que demonstra sua paixão por Ouro Preto através de fotografias em preto e branco.

    :  Foto tirada de baixo para cima, pegando parte do calçamento de pedras do que parece ser uma rua. Ao centro da imagem encontramos mulheres varrendo a rua, na cidade de Ouro Preto. Ao fundo da foto pode-se observar o casario colonial típico da cidade e a igreja de Santa Efigênia.


    Foi por acaso que, em 1980, fazendo um trabalho do curso de Arquitetura, no Rio de Janeiro, que Alexandre Martins se viu de encontro pela primeira vez com a fotografia. Ele nos conta como foi seu primeiro encontro:

    Foi por acaso que, em 1980, fazendo um trabalho do curso de Arquitetura, no Rio de Janeiro, que Alexandre Martins se viu de encontro pela primeira vez com a fotografia. Ele nos conta como foi seu primeiro encontro:

    “Pesquisávamos sobre escolas e, uma das visitas foi ao Colégio São José, na Tijuca. Coube a mim fotografar com uma pequena câmera amadora emprestada por um colega. Quando chegamos no portão do Colégio me deparei com uma escadaria e no alto dela havia uma estátua. Achei imponente e um tanto intimidadora a cena e resolvi fotografá-la. Na hora resolvi me ajoelhar para ficar com o ângulo de visão das crianças que estudavam ali. Naturalmente que a escada e a estátua pareceram maiores e aquilo mexeu comigo: descobri que a fotografia era capaz de comunicar algo com muita força.”

    Alexandre começou a fotografar com uma pequena câmera analógica de uso doméstico, sem saber nada sobre fotografia e sem saber também onde chegaria. Foi lendo, vendo e fotografando, sem grandes pretensões, mas seguindo toda a paixão que havia aparecido. No final de abril de 1981 foi a cidade de Ouro Preto pela primeira vez, em uma viagem de estudos, habitual no curso de Arquitetura “Quando cheguei aqui (Ouro Preto), senti no meu coração: “aqui é meu lugar”. Passei três dias em êxtase fotografando; na verdade, registrando a cidade. Foram cerca de 108 fotografias em negativo colorido. Descobri a fotografia e Ouro Preto, praticamente juntas”, disse Alexandre.

    Quando voltou para o Rio de Janeiro, comprou uma câmera reflex de 35mm, já pensando na viagem seguinte à Ouro Preto, cinco meses depois. As viagens se sucederam, até que em 1985 mudou-se para Ouro Preto. Com o tempo adquiriu câmeras e objetivas melhores e logo descobriu a fotografia com filme preto & branco. Alexandre sempre fez fotos em preto e branco e cor, mas prefere o preto e branco, que até hoje faz exclusivamente por uma câmera analógica, revelando suas fotos em um laboratório do Rio de Janeiro, onde reside e trabalha atualmente. Já para fotos coloridas, ele adotou o uso de uma câmera digital.

    Do ponto de vista pessoal, a fotografia para Alexandre é fundamental como meio de expressão e de encontro com a vida. “Através da fotografia consigo interagir com o entorno e busco essencialmente a presença humana, o gesto de cada um, o corriqueiro cotidiano, especialmente na paisagem urbana, e mais especialmente ainda em Ouro Preto, sempre procurando contar histórias em cada série que produzo”, ele nos fala. Junto com o Coletivo Olho de Vidro, faz uma exposição por ano.

    Alexandre diz que não se preocupa muito com uma foto única, isolada, mesmo que excepcional. Ele se vê mais como um documentarista. Seu anseio é corresponder ao fotografado e reter o seu tempo e o dele, naquele momento do encontro. Recorta imagens, não costuma construí-las artificialmente. Caminha por Ouro Preto e fotografa o que encontra, mesmo que focando em um tema específico, e sempre o mais discretamente possível.

    #galeria é uma coluna de caráter informativo, com periodicidade semanal. É publicada toda terça-feira pela manhã. Trata-se de uma série de postagens que apresenta um recorte da obra de uma fotógrafa ou fotógrafo de relevância artística, cultural, estética, histórica, política, social ou técnica, acompanhadas por uma breve biografia sua. Quer conhecer melhor a coluna #galeria? É só seguir este link.

  • Fundo desfocado

    Fundo desfocado

    Um dos efeitos que as pessoas mais buscam quando fazem um retrato, é aquele fundo que aparece desfocado e que dá um charme especial à imagem. Este desfoque está ligado a profundidade de campo. Uma foto com profundidade de pequena tem apenas um item focado, deixando o restante desfocado.


    Um dos efeitos que as pessoas mais buscam quando fazem um retrato, é aquele fundo que aparece desfocado e que dá um charme especial à imagem. Este desfoque está ligado a profundidade de campo. Uma foto com profundidade de pequena tem apenas um item focado, deixando o restante desfocado.

    A imagem mostra o rosto de uma jovem de origem afegã, com um tecido de cor terrosa  enrolando sua cabeça, e seus olhos verdes muito vívidos e penetrantes olhando diretamente para a câmera fotográfica. O fundo do retrato se encontra desfocado, mas parece ser uma parede de madeira pintada na cor verde escuro.
     Steve McCurry – Menina Afegã

    Controlando a profundidade

    Podemos controlar a profundidade de campo a partir de três elementos: a abertura, a distância focal e a distância do objeto focado. Com a abertura grande, a distância focal grande e o objeto focado próximo, a profundidade de campo será pequena, ou seja, o fundo da foto ficará desfocado.

    Apesar de ser um pouco mais difícil, podemos chegar no mesmo efeito a partir das câmeras de Smartphones. Se aproxime o máximo possível do objeto a ser fotografado, e veja que o fundo da foto se encontrará com menos foco, chegando ao resultado desejado.

    Steve McCurry, fotógrafo que ficou famoso pela National Geographic, e que possui dezenas de fotos em capas de revistas e livros, costuma utilizar a técnica de fundos desfocados em seus retratos. Um exemplo é uma de suas fotos mais conhecidas, “Menina Afegã”, onde podemos observar o fundo desfocado. Ele também possui outras fotos com a técnica do fundo desfocado. 

    A imagem mostra duas meninas na Indonésia olhando para lados opostos. A primeira parece estar usando uma blusa verde com alças. A outra se encontra com o que parece ser uma blusa azul com bordados, de manga longa. As mãos se encontram sobre o queixo, e as unhas das estão pintadas na cor rosa. Elas estão tentando se proteger da chuva com uma peneira feita de palha, que a primeira menina segura sobre as suas cabeças. O fundo da foto se encontra desfocado, num tom de verde folha.

    Steve McCurry – Java, Indonésia.

    Aqui também podemos encontrar o fundo desfocado. Podemos observar mais claramente nesta foto a técnica descrita acima, a profundidade de campo pequena desfoca o fundo da fotografia e foca em apenas um objeto, deixando destaque maior nas meninas fotografadas tentando se proteger da chuva.

    #artigos é uma coluna de caráter ensaístico e teórico. Trata-se de uma série de textos dissertativos por meio do qual o autor propõe uma reflexão fundamentada acerca de um ou mais elementos que constituem a cultura fotográfica. Quer conhecer melhor a coluna #artigos? É só seguir este link.

    #fotografetododia Siga as dicas dadas acima, tire suas fotos, teste diferentes profundidades de campo para obter maior ou menor desfoque. Use a nossa hashtag. Mostre o resultado final das suas fotos!!

    Referências

    • CARROLL, Henry. Leia isto se quer tirar fotos incríveis de gente (tradução Edson Furmankiewicz). São Paulo: Gustavo Gili, 2015. Págs.40-41.
    • FOLTS, James A; LOVELL, Ronald P.; ZWAHLEN, Fred C. Manual de fotografia. São Paulo: Pioneira 2007. Págs. 33-38. 
    • LANGFORD, Michael John; FOX, Anna; SMITH, Richard Sawdon. Fotografia básica de Langford: guia completo para fotógrafos. 8.ed. Porto Alegre: Bookman 2009. Págs. 60-63. 
    • PhotoPro: Fundo desfocado e a profundidade de campo
    • Falando de Foto: Profundidade de Campo
    • Galeria de Steven McCurry

    Links:

    https://culturafotografica.com.br/fotografetododia-fundo-desfocado/

     
  • #1min1foto – Maureen Bisilliat

    #1min1foto – Maureen Bisilliat

    A coluna #1min1foto é inspirada no projeto “Une minute pour une image” de Agnes Varda. Aqui, o participante é desafiado a olhar para uma foto, de escolha da editoria, durante um minuto e depois escrever suas impressões.

    A coluna #1min1foto é inspirada no projeto “Une minute pour une image” de Agnes Varda. Aqui, o participante é desafiado a olhar para uma foto, de escolha da editoria, durante um minuto e depois escrever suas impressões.

    A primeira coisa que associo a essa imagem é a figura de Nossa Senhora de Aparecida, já que o personagem retratado é uma mulher que usa uma espécie de véu e uma coroa por cima da cabeça, semelhante a imagem da santa. Como na maioria das fotografias de retrato, sou imediatamente absorvida pelo olhar da pessoa, e, ao admirar seu rosto, notei a pele de cor avermelhada e logo presumi que trata-se de uma mulher indígena.

    No fundo do retrato, em segundo plano, existe uma segunda personagem, vestindo roupas semelhantes, o que me fez pensar que elas estavam participando de algum tipo de celebração. Mas, apesar de celebrações serem, em geral, momentos alegres, nem a expressão da mulher em primeiro plano, nem a iluminação do ambiente me transmitiram tal ideia. Há, por causa desses dois elementos, as sombras e o rosto, uma atmosfera de mistério.

    Curiosamente, não prestei muita atenção a presença da espada que a mulher segura. Essa foi uma percepção secundária. Mas, depois que assimilei a presença do objeto, a sensação de mistério ficou ainda mais intensa.

    A festa de Folia de Reis por Maureen Bisilliat (acervo IMS)

    Após fazer a leitura da imagem durante um minuto, não busquei imediatamente sua autora e nem o contexto em que ela foi registrada, pois quis prolongar meu exercício imaginativo. Comecei a conjecturar sobre a possibilidade dos elementos, como a espada, o véu, e a coroa, estarem ligados a algum tipo de religião sincrética.

    Posteriormente, ao pesquisar sobre a autora, descobri alguns fatos importantes sobre ela e sobre o trabalho do qual esta fotografia faz parte. Seu nome é Maureen Bisilliat, nascida na Inglaterra, ela se mudou para o Brasil nos anos 50 e dedicou-se a fotografar temas como a cultura sertaneja, tribos indígenas e religiões. Nessa fotografia, Maureen registra a festa de Folia de Reis, uma manifestação folclórica e religiosa, celebrada em todo o país, principalmente no Nordeste. Atualmente, algumas imagens do acervo da fotógrafa estão disponíveis no site do Instituto Moreira Salles.