Cultura Fotográfica

Categoria: Fotógrafas e Fotógrafos

* Categoria de hierarquia superior.

  • Annie Leibovitz

    Annie Leibovitz

    Responsável por criar o estilo visual da revista Rolling Stones, Annie é considerada uma das mais ilustres fotógrafas de celebridades.

    Anna-Lou “Annie” Leibovitz nasceu no dia 2 de outubro de 1949 em Waterbury, Connecticut. Sua mãe era dançarina e sempre tentava mostrar o mundo das artes para a filha , que desde de pequena era apaixonada por música e pintura. Ela chegou a estudar pintura no Instituto de Artes de São Francisco, mas lá descobriu uma outra paixão: a fotografia.

    Annie começou sua carreira em 1969 quando começou a trabalhar na revista Rolling Stones, que na época ainda estava em seus primeiros números. Não demorou para ela ganhar destaque e em 1973 já tinha sido nomeada fotógrafa chefe, posição que ela manteve por dez anos sendo importantíssima na criação do estilo imagético da revista.

    Um de seus primeiros trabalhos para a revista, foi acompanhar a banda Rolling Stones durante uma turnê em 1971. Depois disso, ela ficou famosa produzindo fotos icônicas de celebridades como John Lennon, Leonardo diCaprio, Angelina Jolie entre outras. Com isso ela também se tornou uma das mais importantes fotógrafas de moda dos EUA. Mas sua carreira não se resumiu apenas a moda e celebridades, ela também chegou a ser fotógrafa de guerra e cobriu os conflitos em Sarajevo e Ruanda.

     
    Foto da Atriz Anne Hathaway para a revista Vogue
    Foto da Atriz Anne Hathaway para a revista Vogue
    Leonardo DiCaprio com um cisne
    Leonardo DiCaprio com um cisne
    Bicicleta caída de um garoto morto a tiros. Sarajevo 1994
    Bicicleta caída de um garoto morto a tiros. Sarajevo 1994
    Foto de John Lennon e Yoko Ono momentos antes do assassinato de John em 1980
    Foto de John Lennon e Yoko Ono momentos antes do assassinato de John em 1980
    Atriz Meryl Streep
    Atriz Meryl Streep
    Foto da Banda The Rolling Stones no palco na turnê de 1971
     

    E então você gostou da obra dessa artista ? Você pode saber mais sobre ela através dos livros Annie Leibovitz at Work, A Photographer’s Life e vários outros,  não se esqueça de comentar sua opinião sobre sua obra no nosso grupo do Facebook!

    Links, Referências e Créditos

    Como citar esta postagem

    CAVALHEIRO, Pedro Olavo Pedroso. Annie Leibovitz. Cultura Fotográfica (blog). Disponível em: <https://culturafotografica.com.br/galeria-annie-leibovitz/>. Publicado em: 08 de jul. de 2020. Acessado em: [informar data].

  • Usando a potência do flash

    Usando a potência do flash

    Na continuação da série sobre o flash, vamos entender sobre a potência e sua influência na iluminação das trabalhos fotográficos.

    Usar um flash externo pode parecer algo complicado e desafiador, mas desde que haja familiaridade com as suas funções e um olhar atento para as situações em que será utilizado pode-se obter resultados muito bons. Na continuação da série sobre o flash, vamos nos concentrar em uma dessas configurações: a potência.

    Usar um flash externo pode parecer algo complicado e desafiador, mas desde que haja familiaridade com as suas funções e um olhar atento para as situações em que será utilizado pode-se obter resultados muito bons. Na continuação da série sobre o flash, vamos nos concentrar em uma dessas configurações: a potência.

    Um homem negro é visto no primeiro plano olhando diretamente para a câmera. Está iluminado por um flash do lado esquerdo da imagem. Aparece trajando uma blusa branca e pulseiras no braço direito. Ao redor do pescoço há um tecido verde esvoaçando-se ao lado direito do corpo do homem e cobrindo o ombro esquerdo. O fundo é escuro, tornado difícil a visão da pessoa e do veículo ao fundo.
    Bárbara Wagner. Sem título I (da série Jogo de Classe), 2013

    A potência do flash é indicada por uma numeração conhecida como “número-guia” que indica a distância máxima que a luz produzida por aquele flash irá alcançar. Devemos ter em mente que o que irá determinar diversas características da foto, inclusive o quão longe essa luz irá alcançar, não dependerá apenas do flash e sua potência, mas dos demais fatores que deverão ser pensados e ajustados. A abertura do diafragma da lente da câmera e a velocidade do disparo do flash são extremamente importantes para isso, como mostram os exemplos mostrados neste artigo.

    É importante lembrar que, quando usado no modo automático, a velocidade do disparo do flash será suficiente para iluminar apenas o primeiro plano da foto e não o fundo. Dificilmente um flash, por maior que seja a sua potência e por mais que se façam demais ajustes consegue iluminar objetos a grandes distâncias. Na tentativa de fazer isso no modo manual, o que pode acabar acontecendo é uma superexposição do primeiro plano, aparecendo como costumamos dizer, “estourado”.

    Para obter um resultado em que ambos os planos apareçam de forma harmoniosa, é necessário usar os controles do diafragma para que haja uma maior captação de luz pela lente da câmera, já que assim será garantida a iluminação dos planos posteriores pela luz ambiente. Além disso, a velocidade do disparo do flash também influencia na captação da luz, sendo importante ajustá-la para conciliar essa captação de luz ambiente com a luz do flash.

    Caso contrário, o primeiro plano aparecerá totalmente iluminado e até mesmo superexposto e o segundo plano, excessivamente escuro, quando não totalmente anulado. Isso acontece porque o tempo de disparo irá definir até onde a luz irá alcançar, de forma que com um flash muito rápido (como 1/40.000 segundos) apenas o primeiro plano será iluminado, enquanto, tendo em mãos um flash com grande potência e um tempo de disparo mais longo (como 1/1.000 segundos), os demais planos poderão também ser iluminados.

    A imagem que abre esse #fotografetododia, assim como as demais apresentadas abaixo, são de autoria de Bárbara Wagner, fotógrafa brasileira original de Brasília que vive e trabalha em Recife e tem uma obra voltada principalmente à cultura popular e tradicional, participou de diversos projetos e bienais ao redor do mundo, tendo inclusive obras no acervo permanente dos museus MASP e MAM em São Paulo.

    Analisando a primeira imagem, aparentemente tirada no período noturno, percebemos que a luz é dura e lateral, o que indica que um flash externo foi usado, localizado ao lado esquerdo da imagem. Sabemos que a combinação de flash com alta potência e diafragma aberto resulta em uma iluminação de grande alcance, o que não é o caso da foto em questão em que temos um primeiro plano bastante destacado do segundo.

    Apesar de não ter como saber ao certo o quão potente é o flash utilizado, podemos observar que sombras duras são projetadas do lado oposto ao que é iluminado, cobrindo metade do rosto do modelo enquanto o segundo plano aparece muito escuro (subexposto) a ponto de não revelar quase nada dos demais elementos – uma pessoa parada, sem que seja possível identificar identidade ou gênero, e um veículo. Essas características podem indicar um tempo de disparo do flash mais rápido, iluminado com grande incidência apenas o primeiro plano.

    É interessante notar também que os riscos luminosos ao canto inferior direito na imagem indicam que houve uma longa exposição do registro da lente, logo, o modelo foi congelado na foto pelo flash em velocidade de disparo alta. Nada disso, no entanto, indica falha ou má escolha por parte da fotógrafa, uma vez que tais características trazem dramaticidade ao registro, sendo este justamente o objetivo do ensaio chamado “Jogo de Classe”, que busca uma teatralidade de cena, representando visualmente as classes sociais a que os fotografados pertencem.

    Nas imagens a seguir, temos mais uma fotografia para análise. Desta vez a imagem é fruto do projeto Offside Brazil em que fotógrafos estrangeiros e brasileiros buscaram registrar as cidades-sede da Copa do Mundo de 2014, realizada no país, revelando os entornos do evento marcado por manifestações e desigualdades sociais e assim, fazendo uma cobertura paralela às atenções voltadas aos jogos.

    Uma mulher negra de pele clara é vista em pé com um bebê ao colo, olhando diretamente para a câmera com uma expressão séria. Ambos estão iluminados por flash direto. A mulher está descalça e traja shorts, uma camiseta laranja e uma touca rosa na cabeça. Segura o bebê enrolado em uma manta com o braço esquerdo e um guarda-sol com o braço direito. O chão é de terra; há um cão preto parcialmente ao lado esquerdo da imagem e há vegetação e cabos de energia elétrica ao fundo.
    Bárbara Wagner. Quilombo Castainho, Brasil. Offside Brazil, 2014

    Enquanto a primeira imagem mostrada, do ensaio “Jogo de Classe”, traz um flash iluminando o personagem de forma intensa e com um segundo plano praticamente nulo, a segunda apresenta um uso muito mais sutil. Tirada no Quilombo Castainho, visivelmente durante o dia e a céu aberto, o uso do flash dá destaque à mãe e à criança fotografada, sendo perceptível o seu uso pelas sombras que se projetam de forma dura/marcada no corpo da mulher, diferente das sombras muito mais suaves/difusas a seus pés, provenientes da luz natural. Aqui, talvez coubesse o uso de um flash com potência menor ou um tempo de disparo da luz reduzido para suavizar a formação das sombras, mas não podemos deixar de levar em consideração a potência discursiva das escolhas, que tem muito a ver com revelar uma realidade que muitos não veem ou não conhecem.

    Assim, chegamos ao fim de mais um #fotografetododia , segundo da série sobre flash, aprendendo mais sobre a potência e seus usos. É importante lembrar que quanto mais potente for o flash, maior a área que poderá ser iluminada, mas também, mais marcadas serão as sombras e maior será a diferença entre os planos. Daí a importância de equilibrar não apenas as configurações da velocidade de disparo do flash, mas também as da câmera, como a abertura do diafragma, a velocidade do obturador e o ISO, a fim de controlar até onde esta luz irá incidir e quanto da luz ambiente será registrada pela lente nos planos secundários.

    Está gostando da série de #fotografetododia sobre flash? Não deixe de compartilhar com todo mundo que gosta de fotografia! Ah! E se tiver alguma dúvida ou dica, mande lá no nosso grupo de discussão no Facebook! Até semana que vem!

    Dificuldade 4: Você vai precisar de uma boa câmera e alguns conhecimentos.

    Referências:

    HEDGECOE, John. O Novo Manual de Fotografia. 2ª ed. São paulo: Editora Senac, 2005. p. 168-169.

    CUNHA, Juliana. Bárbara Wagner entre Deus e Estelita: dois ensaios para o OFFSIDE BRAZIL. Revista ZUM. Disponível em<https://revistazum.com.br/offsidebrazil/barbara-wagner/> Acesso em 28 de abr. de 2020

    Links:

    Site de Bárbara Wagner
    Tumblr do Projeto Offside Brazil

    Na continuação da série sobre o flash, vamos entender sobre a potência e sua influência nos resultados na iluminação das trabalhos fotográficos.
  • Dupla Exposição

    Dupla Exposição

    O #dicade dessa semana é sobre um livro que une a linguagem verbal e a visual em uma narrativa sensível e nostálgica.

    Dupla Exposição é um livro que adquiri por acaso. Encontrei-o em uma livraria na minha cidade natal meio largado em um canto.  A capa me chamou a atenção por ser uma daquelas edições cobertas por uma película semi-transparente (que guardei separada em casa com medo de estragá-la), mas foi só quando o abri para folheá-lo e li o texto de apresentação, escrito por Maria Esther Maciel, escritora e professora de Teoria da Literatura e Literatura Comparada da UFMG, que senti que precisava mergulhar naquela leitura.

    A imagem mostra o livro Dupla Exposição sobre uma mesa branca ao lado de uma xícara de porcelana. Na fotografia da capa, uma mulher de costas usando blusa larga e branca é vista de costas. Sobre ela é projetada uma imagem com uma mulher em pé em um campo aberto.
    Capa do livro Dupla Exposição, Editora Rocco. Imagem de capa por Elisa Pessoa, 2016.

    No tal texto, Maciel começa falando sobre como o livro não cabe em classificações, com textos e imagens mantendo uma relação instável, ora afastando-se, ora aproximando-se. Desejei ver de perto como funcionaria uma obra em que texto e imagem se comunicam, não com as imagens servindo ao texto como ilustração nem mesmo como complemento, mas como parte integrante e igualmente relevante dos caminhos narrativos.  Além disso, é anunciada a ideia de mistura entre real e ficção, que é algo que já me chama a atenção a bastante tempo em obras literárias.

    O livro é composto por diversos textos curtos, escritos por Paloma Vidal, escritora e professora de Teoria Literária na UNIFESP, nascida em Buenos Aires e residente do Brasil desde os dois anos de idade. São eles: Please Come Flying; EFA; Sun In An Empty Room; Sempre a Partida; Venice; Tavistock Square; 10 Exercícios Para; Un Petit Noir Comme Celui-Là; Melancolia: Modo de Usar. Cada um deles escrito em primeira pessoa, revelando os pensamentos da narradora-personagem e promovendo uma sensação de intimidade por parecerem ter saído de cartas, diários e anotações pessoais.

    Enquanto isso, as imagens são obra de Elisa Pessoa, brasileira que, em Paris, formou-se em Artes Plásticas e começou seu trabalho com a fotografia e o vídeo, continuados após o retorno para o Brasil com produções em forma de vídeo-instalações e intervenções urbanas. Distribuídas ao longo das páginas, seja dividindo espaço com os textos, seja ganhando destaque sozinhas, as fotos apresentam personagens femininas com ares de mistério, utilizando os efeitos de dupla exposição e hologramas, assemelhando-se em muitos momentos a uma performance, em que a mulher vista em muitas das imagens movimenta-se frente a projeções de cidades e fotos antigas.

    O livro é visto aberto sobre uma mesa branca, onde há também um arranjo de flores e uma xícara de porcelana. Uma mão segura o livro do lado esquerdo. Na página esquerda há uma fotografia mostrando a silhueta de uma mulher em movimento. Sobre ela, é projetada uma imagem de prédios urbanos com arquitetura européia.
    Visão interna do livro Dupla Exposição, Editora Rocco. Foto de Elisa Pessoa, 2016.

    É curiosa a forma como os temas são trabalhados nos textos e nas imagens, evocando a ideia de uma dupla exposição fotográfica em ambos os casos. Já no primeiro texto esse aspecto é revelado, baseando-se em um ensaio da escritora e poetisa Elizabeth Bishop sobre sua relação com a também poeta Marianne Moore. Em uma mistura de recorte do texto da autora e observações de uma leitora desejosa por mostrar o seu fascínio por ele, há a formação de um “dupla exposição textual” revelando que o título do livro não justifica-se apenas pela estética do conteúdo visual. É ainda mais fascinante notar os diferentes artifícios usados para evocar tal ideia, utilizando tempos diferentes (passado e presente), diálogos e pensamentos, além de fluxos mentais.

    As fotografias revelam muito da nostalgia que os textos carregam. Quando a narradora lembra suas passagens por Paris ou Alemanha e os acontecimentos que a deixaram de alguma forma marcada, há imagens em que são projetadas cenas urbanas que lembram a arquitetura européia. A narradora deixa claro ao longo de todo o livro como arquivos pessoais são importantes para ela. Fotografias, cartas e diários são constantemente evocados e vemos imagens que parecem ter sido retiradas de um álbum de família empoeirado.

    Assim, Dupla Exposição, fruto desta parceria entre artistas de duas áreas distintas, consegue funcionar quando lidos apenas os textos; apenas as imagens ou, como proposto, ambos juntos, sem perder a aura nostálgica e a ideia de uma viagem temporal em pensamento, como o sentimento que toma conta da mente ao observar nossas fotos antigas e lembranças carregadas de afetos.

    Se interessou pelo livro? No site da Editora Rocco tem a lista de lojas on-line em que você pode comprá-lo: https://www.rocco.com.br/livro/?cod=2803 

    Referência:

    VIDAL, Paloma; PESSOA, Elisa. Dupla Exposição. 1ª ed. Rio de Janeiro: Anfiteatro – Editora Rocco, 2016.

  • Jimmy Nelson

    Jimmy Nelson é um fotógrafo britânico, famoso por retratos de tribos e povos indígenas. Ele elaborou um projeto chamado “Before they pass away”, em que escolheu 35 povos ao redor do mundo para fotografar, entre os anos de 2010 e 2013.

    Jimmy Nelson é um fotógrafo britânico, famoso por retratos de tribos e povos indígenas. Nasceu em Sevenoaks, sudeste da Inglaterra, em 1967. Ele sofreu de alopecia e perdeu todo seu cabelo ainda jovem, fato que o levou ao Tibet em 1986 para “viver entre os monges carecas”. Sua viagem gerou histórias e fotos que foram publicadas na revista da Royal Geographic Society.
    Passou 6 anos fotografando tribos por hobby, até que, aos 24 anos, precisou ingressar na carreira comercial para “pagar as contas”. Em 1994, junto de sua esposa, produziu um projeto de retratos na China que durou 30 meses. As imagens desse trabalho foram exibidas no Palácio do Povo na Praça da Paz Celestial, em Pequim, e depois seguidas por uma turnê mundial.
    Em 2010, Jimmy passou por um momento de reflexão. Com a fotografia digital se estabelecendo como uma norma, ele sentiu que sua carreira estava em perigo e decidiu arriscar e se especializar em algo que ele sabia: culturas em extinção e tribos. Então, elaborou um projeto chamado “Before they pass away”, em que escolheu 35 povos para fotografar.
    Entre 2010 e 2013, o fotógrafo realizou 16 viagens, que duraram de 1 a 2 meses cada. Em entrevista à BBC, ele contou sobre as dificuldades enfrentadas até chegar ao local onde as tribos vivem, além da questão do idioma. Era raro compreender os dialetos, mesmo com um tradutor presente. Apesar dessas adversidades, Jimmy dava um jeito de se comunicar e ajudava nas necessidades do dia-a-dia como moeda de troca para conseguir suas fotos.
    Para esse trabalho, Jimmy utilizou uma câmera de grande formato, com exposição de 4 a 5 segundos em sua maioria. Segundo ele, “quando você processa essas imagens e as imprime, o granulado é fantástico comparado à fotografia digital. O digital se torna muito plástico. Tudo acaba parecendo o mesmo.”
    Um senhor com cerca de 60 anos, branco, está sentado. Ele usa botas, uma calça preta, camisa vermelha, um lenço no pescoço, uma boina. Para o frio, tem algo feito de algodão ao redor do pescoço. Segura um chicote e parece beber algo alcóolico.
    Requelme, Gaucho, Estancia Anita, El Calafate, Patagonia, Argentina, Jimmy Nelson, November 2011 | Jimmy Nelson

    Um homem negro segura uma espécie de fuzil. Seu corpo tem pinturas na cor branca e, em sua cabeça, usa argolas na orelha e dentes pendurados.
    Mursi, Hilao Moyizo Village, Omo Valley Ethiopia, 2011 | Jimmy Nelson

    Um homem negro, cerca de 60 anos cheio de acessórios pelo corpo. Tem uma espécie de osso atravessando seu nariz, utiliza várias penas na cabeça, no braço. Também tem vários acessórios pendurados no pescoço.
    Batu Logo, Dani tribal leader Asumpaima Village, Baliem Valley, Papua, Jimmy Nelson, August 2010 | Jimmy Nelson

    Um aborígene negro, cerca de 50 anos. Tem algumas linhas em branco pintadas em seu corpo. Segura algo na altura do peito. Usa uma faixa na testa, com espécie de galhos e penas presos na parte de trás da cabeça.
    Duane Ahchoo, Bardi, One Arm Point, Dampier Peninsula, The Kimberley, Australia, 2018 | Jimmy Nelson

    Uma mulher negra, nua acima da cintura. Em seu pescoço, utiliza um colar e mais objetos. Seu rosto está pintado em vermelho e branco. Tem penas presas em seu braço. Na testa, também tem penas vermelhas presas
    Goroka, Eastern Highlands, Papua New Guinea, 2010 | Jimmy Nelson

    Um homem negro, cerca de 60 anos. Seu rosto está pintado de amarelo e tem uma espécie de espeto atravessando seu nariz.Usa uma espécie de chapéu incomum na cabeça, enfeitado com penas e flores.Está sem camisa, tem o peito peludo e folhas de árvores amarradas nos braços.
    Hangu Ibamuali, Huli Wigmen, Ambua Falls, Tari Valley, Papua New Guinea, 2010 | Jimmy Nelson

    Um homem ou mulher peruano(a). Tem a pele parda, olhos ligeiramente puxados e usa vestimentas predominantemente rosas. Sua roupa tem desenhos geométricos, usa touca na cabeça, além de um chapéu.
    Hatun Q’eros, Andes, Peru, 2018 | Jimmy Nelson

    Homem sem camisa, pardo. Tem uma faixa preta pintada na altura dos olhos. Na cabeça, tem penas presas na testa com uma espécie de corda. Usa colares grandes, com chifres e penas.
    Hiva Oa, Marquesas Islands, 2016 | Jimmy Nelson

    Uma mulher negra, de olhos castanho claro e cabelo cacheado. Na cabeça, tem um arco formado por penas brancas, vermelhas e amarelas. Em seu corpo, ao invés de roupa, ela usa folhas de plantas.
    Korafe, Amunioan, Tufi, Oro province, Papua New Guinea, 2017 | Jimmy Nelson

    Três moças brancas, chinesas. Utilizam batom, brincos e colares enormes. Vestem um roupão azul, com detalhes em verde e vermelho. Na cabeça, algo como uma coroa gigante na cor dourada.
    Langde Shang Miao Village, Kaili, Qiandongnan, Guizhou, China, 2016 | Jimmy Nelson

    Um homem pardo, de uns 50 anos. Está sem camisa, e tem linhas pintadas no rosto em vermelho e preto. Ao invés de roupas, utiliza uma peça feita de penas e uma carcaça de lobo. Na cabeça, algo feito com uma águia aparentemente entalhada.
    Miguel Martinez Lopez, Chichimeca Jonaz, Misión de Chichimecas, Guanajuato, Mexico, 2017 | Jimmy Nelson

    três meninas indianas. Todas utilizam vestidos que cobrem o corpo inteiro e são bastante coloridos. Elas usam brincos, piercings no nariz, colares e acessórios na cabeça.
    Mir, Dasada, Gujarat state, India, 2016 | Jimmy Nelson

    Uma butanesa branca, aparentemente jovem adulta. Tem cabelos pretos compridos. Na sua cabeça, uma espécie de chapéu enfeitado com flores brancas e pequenas. Pouco abaixo dos ombros, ela segura duas esculturas de cabeças de dragão.
    Sonam Choden, Sharchop, Gangtey, Bhutan, 2016 | Jimmy Nelson

    Uma mulher morena, com o rosto pintado como uma caveira. Usa um cordão e brincos dourados. Na cabeça, flores presas em seu cabelo. Sua roupa e cenário também é composto por flores amarelas, rosas e vermelhas.
    Zapoteca, Oaxaca, Mexico, 2017 | Jimmy Nelson

    Marken, the Netherlands, 2014 | Jimmy Nelson

    Referências

  • Reflexos

    Usar reflexos nas fotos é uma técnica relativamente simples e traz resultados surpreendentes.

    O uso de superfícies reflexivas  pode ser muito útil na hora de compor a fotografia, elas permitem enquadrar pessoas e locais de maneiras diferentes, além de serem muito usadas na criação de fotografias abstratas criando padrões geométricos ou deformando objetos fotografados.

    Pescador Pirarucu
    Araquém Alcântara, Pescador Pirarucu

    Uma das maneiras mais comuns de fazer fotografias com reflexo é usando um espelho plano, já que ele reflete nitidamente a luz, e isso é bom para compor fotos com objetos iguais em duas posições diferentes do enquadramento que conversam entre si. É possível usar espelhos de várias outras maneiras, espelhos quebrados por exemplo podem dar composições interessantes.

    A água também é muito utilizada para esse tipo de fotografia. Sair de casa para fotografar depois de chuvas, quando existem muitas poças d’água espalhadas, pode proporcionar fotos inovadoras dos mesmos locais que você já viu várias vezes. Lembrando que a água não precisa estar parada ou ser límpida, a ondulação da água e sua turbidez pode funcionar muito bem para criar fotografias abstratas por exemplo.

    Existem incontáveis outra superfícies reflexivas. Quando você sair para fotografar busque ter um olhar atento a elas, carros por exemplo proporcionam várias superfícies diferentes que podem resultar em uma boa foto, espelhos retrovisores, rodas e parachoques cromados, vidros escuros e até mesmo a própria pintura, que na maioria dos carros é brilhante e reflete bem a luz, além de que os diferente formatos dos carros produzem várias deformações diferentes nas imagens.

    A técnica do reflexo aparece muito nas obras de Araquém Alcântara, fotógrafo Brasileiro conhecido por ser um dos precursores da fotografia ecológica no Brasil.  Um de seus principais trabalhos foi seu ensaio sobre os ecossistemas e as unidades de conservação brasileira, que ele demorou 22 anos para concluir. Em abril de 2019 ele em conjunto com o fotógrafo Sebastião Salgado produziu uma exposição sobre o pantanal, um ecossistema repleto de corpos d’água que permitiram fotos incríveis com o uso dos reflexos.

    Serra do Amolar
    Araquém Alcântara; Serra do Amolar

    Essa é uma das fotos desta exposição. Ela foi tirada na serra do Amolar, e é um bom exemplo de fotografia com reflexo. A linha que divide a imagem real e a refletida é bem nítida colocada na foto de maneira horizontal e respeitando a regra dos terços. Mesmo que o reflexo seja turvo, o resultado cria várias formas diferentes o que fica visualmente interessante e complementa muito a composição.

    Agora é sua vez! Pegue a câmera ou o celular e saia procurando ver os mesmos lugares de perspectivas diferentes! E não se esqueça de mostrar os resultados no nosso grupo do Facebook!

  • O Pioneirismo de Margaret Bourke-White

    O Pioneirismo de Margaret Bourke-White

    Margaret foi a primeira mulher na revista Life, e como fotojornalista, viajou junto com as tropas americanas da 2ª Grande Guerra, produzindo fotos icônicas.

    Margaret Bourke-White foi uma fotógrafa americana nascida em 1904 no Bronx, Nova York. Filha de Joseph White, um judeu não praticante nascido na Polônia, e de Minnie Bourke, católica nascida na irlanda. Desde pequena ela já se imaginava fazendo coisas diferentes do que era esperado para as mulheres de sua época.

    Margaret na frente de um avião militar em 1943
    Autor desconhecido; Margaret na frente de um avião militar em 1943

    Ela ganhou sua primeira câmera na faculdade de herpetologia, era uma câmera velha com a lente quebrada que sua mãe tinha comprado por 20 dólares, com isso ela desenvolveu seu amor pela fotografia e acabou trocando de curso e de faculdade várias vezes.

    Ganhou prestígio após ter fotografado dentro da Companhia de Aço Otis, produzindo fotos excelentes. Ela cobriu momentos importantes na história como o Dust Bowl, a ascensão do Nazismo, o cerco a Moscou, a liberação dos prisioneiros dos campos de concentração, além de ter cobrido a guerra das Coreias e a divisão da Ìndia, ela também foi a última pessoa a entrevistar Mahatma Gandhi. Aos seus 49 anos ela foi diagnosticada com a doença parkinson e morreu 18 anos depois.

    Crianças atras de uma cerca de arame farpado durante o apartheid em 1950 na Africa do Sul
    Crianças atrás de uma cerca de arame farpado durante o apartheid em 1950 na África do Sul
    Fotos da invasão do porto de Argiers, em 1942 na Itália. Os traços na foto são os disparos dos armamentos de submarinos Italianos que avançaram contra o porto
    Fotos da invasão do porto de Argiers, em 1942 na Itália. Os traços na foto são os disparos dos armamentos de submarinos Italianos que avançaram contra o porto
    Gandhi atras de uma roda fiar. Essa foi uma das ultimas fotos dele antes de seu assassinato algumas horas depois
    Gandhi atrás de uma roda fiar. Essa foi uma das últimas fotos dele antes de seu assassinato algumas horas depois
    Faíscas saindo de uma das maquina da Otis Steel Company
    Faíscas saindo de uma das maquina da Otis Steel Company
    Homem chorando ao lado do corpo de um dos prisioneiros do campo de trabalhos forçados de Erla em 1945
    Homem chorando ao lado do corpo de um dos prisioneiros do campo de trabalhos forçados de Erla em 1945
    Vitimas da inundação de 1937 na fila para receber suprimentos logo abaixo de um outdoor que diz que os americanos tem o melhor padrão de vida
    Vítimas da inundação de 1937 na fila para receber suprimentos logo abaixo de um outdoor que diz que os americanos tem o melhor padrão de vida
    Estudantes negros em aula na Carver High School, em Montgomery Alabama em 1949
    Estudantes negros em aula na Carver High School, em Montgomery Alabama em 1949

    E aí gostou das fotos e da trajetória dessa excelente fotógrafa? Você pode abrir discussões sobre ela e sobre muitos outros fotógrafos no nosso grupo do Facebook!

    Links, Referências e Créditos

    Como citar esta postagem

    CAVALHEIRO, Pedro Olavo Pedroso. O Pioneirismo de Margaret Bourke-White. Cultura Fotográfica (blog). Disponível em: <https://culturafotografica.com.br/galeria-o-pioneirismo-de-margaret-bourke-white/>. Publicado em: 24 de jun. de 2020. Acessado em: [informar data].

  • Uso de fotos em preto e branco

    Neste post você saberá um pouco mais sobre o uso da foto em preto e branco, técnica antiga mas amplamente utilizada no mercado fotográfico moderno. 
    Foto em preto e branco. A foto mostra um homem de costas, não se vê a cabeça. O enquadramento está até a cintura. O homem apoia dois peixes em suas costas.
    Homem com dois peixes nas costas, 1992


    De placas de prata a sensores eletrônicos, passando pelos filmes, a tecnologia fotográfica, ao longo de sua história, desenvolveu-se continuamente. E hoje, podemos apontar questões, como: Qual é a diferença entre uma fotografia colorida e outra preto-e-branco? Bom, aparentemente a pergunta é simples, no entanto demanda uma resposta um pouco completa e neste texto, trataremos sobre a escolha do gênero fotográfico preto-e-branco. 

    Sabemos que a fotografia é o registro do momento, feito por um suporte físico, onde uma única cena, permite obter diferentes “retratos” se evidenciarmos bem as gradações de cores ou os contrastes de preto e branco. De certo, na fotografia, cor e luz desempenham funções diversificadas. Enquanto a cor se manifesta por matizes complementares e distintas. A luz evidencia padrões opostos: escuridão e claridade. A foto em preto-e-branco, cria um efeito de estranhamento que direciona o imaginário para a essência do real. Em contrapartida, as imagens coloridas reproduzem a aparência em sua forma mais precisa, como um retrato objetivo e neutro da realidade. 

    No ensaio “Filosofia da caixa preta”, o filósofo Vilém Flusser, escreve, sobre o assunto supracitado, e para ele, o preto-e-branco opera em uma imagem como uma abstração do mundo, e assim, ele aponta: “As fotografias preto e branco são a magia do pensamento teórico, conceitual, e é precisamente nisso que reside seu fascínio. Revelam a beleza do pensamento conceitual abstrato. Muitos fotógrafos preferem fotografar em preto e branco porque tais fotografias mostram o verdadeiro significado dos símbolos fotográficos: o universo dos conceitos”.

    As composições em preto e branco possibilitam não só uma qualidade estética, mas também permite uma ampliação dos sentidos, caracterizando-as também como atemporal e contrastantes. Uma vez que elas salientam a estrutura formal da cena, orientada pela lógica dos opostos, ao passo que, as fotos com cor, destacam a matéria do objeto, obtendo características de algo mais concreto. 

    No que diz respeito à composição, fotos em tons cinzas, viabiliza que o fotógrafo se concentre, no abstrato: na  forma, textura, e padrão, realçando assim qualidades que, em geral, se perdem com a fotografia colorida. Ao escolher  utilizar o preto-e-branco será importante voltar sua atenção a iluminação, pois o balanceamento de contrastes, tons claros e escuros, permitirá  enfatizar tais aspectos. De modo geral, uma dica importante para composição preto e branco é criar sombras, seja frontais ou laterais no objeto, assim reforçará as abstrações pretendidas, dando vida a imagem. 

    A escolha pela fotografia em tom cinza deve ser pautada pelo objetivo que você deseja alcançar com a imagem. O artista visual, Mario Cravo Neto (Salvador BA 1947 – 2009), cuja obra transitou pelo imaginário religioso e místico, foi adepto ao uso da fotografia em preto-e-branco. Ele expressa sua sensibilidade ao utilizar jogos de luz e sombra, que trazem uma sensação tátil, nas composições. Em muitas de suas obras, ele recorreu ao recurso de baixa luz, a enquadramentos fechados e explorou diferentes texturas com um foco crítico, dando ênfase ao volume.

    Criança negra, segura um ganço branco pelo bico. O posicionamento está apenas na cabeça do menino, O olho da ave posicionasse na frente dao olho da criança.
    Odé, 1989


    Na composição “Odé” de 1989, Cravo Neto, enfoca em um enquadramento fechado a imagem de uma menino segurando uma ave pelo bico, repare o realce dado a ela pelo jogo de luz. O foco da imagem se dá na associação do fragmento do corpo do menino (olho) com o posicionamento do olhar da ave. A fotografia além de evocar aspectos ritualísticos, causa uma certa sensação de estranhamento, dada pela relação inesperada de oposição entre o corpo e o animal.

    E aí, como você utiliza o formato  preto e branco em suas fotos? Conte-nos a suas experiências, deixe seus comentários. E faça o exercício de escolher um ambiente com luzes fortes e sombras para fazer fotos incríveis.


    Referências

    _____, John. O novo manual de fotografia: guia completo para todos os formatos. Assef Nagib Kfouri et al. (trad). São Paulo: Editora SENAC São Paulo, 2005. 
    FLUSSER, Vilém. Filosofia da caixa preta: ensaios para uma futura filosofia da fotografia. Rio de Janeiro, RJ: Relume Dumará, 2002.
    MARIO Cravo Neto. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2020. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa2620/mario-cravo-neto>. Acesso em: 21 de Jun. 2020. Verbete da Enciclopédia.
    ISBN: 978-85-7979-060-7




  • Philippe Halsman

    A galeria de hoje vai falar sobre o fotógrafo Philippe Halsman, especialmente sobre sua parceria com o famoso pintor Salvador Dalí, mostrando a influência do movimento surrealista além da pintura.

    Philippe Halsman nasceu na cidade de Riga, na Letônia, em 2 de maio de 1906. ele desenvolveu a paixão pela fotografia aos quinze anos, ao encontrar uma câmera antiga no porão da casa dos pais e se tornar o “fotógrafo oficial” de todos os eventos e viagens familiares. Nos anos 30, se mudou para Paris, cursando engenharia mas abandonou os estudos para se dedicar exclusivamente a fotografia. Durante essa década, teve fotos publicadas nas revistas Vogue, Voilà e VU, e abriu um estúdio.
    Um homem com uma câmera e um tripé apontando para um ponto distante em um espaço aberto rural.
    Photo (Philippe Halsman) © Philippe Halsman Archive 2020
    Sua colaboração de 37 anos com o pintor espanhol Salvador Dalí se iniciou nos anos quarenta, quando ambos já haviam se mudado para Paris, e rendeu fotos icônicas, que exploravam a estranheza da obra surrealista do pintor. A série Dalí’s Moustache, por exemplo, é uma série de retratos que foca muito mais no bigode de Dalí, do que no pintor, usando esta característica marcante em fotos abstratas. 
    Um olho e uma linha que forma a sobrancelha e um bigode em um fundo branco.
    Photo (Salvador Dalí – 1954) © Philippe Halsman Archive 2020
    A parceria criou outras diversas fotos icônicas, entre elas Dalí’s Atomicus. Inspirada na pintura Leda Atomicus, do próprio Dalí, esta fotografia levou 28 tentativas para ficar pronta, e mostra o pintor, uma cadeira, dois gatos e água no ar. 
    Um homem, gatos, uma cadeira e um jato de água foram fotografados no ar em um ambiente que parece ser um estúdio de pintura.
    Photo (Salvador Dalí – 1948) © Philippe Halsman Archive 2020
    Além de seu trabalho com Salvador Dalí, Halsman também ficou conhecido por suas fotos de celebridades e figuras importantes pulando, como a atriz Marilyn Monroe e o ex-presidente dos EUA Richard Nixon. O fotógrafo dizia que gostava de pedir aos fotografados que pulassem para que se sentissem mais a vontade, ajudando-os a revelar seus verdadeiros espíritos através da fotografia.
    Um homem e uma mulher pulam de mãos dadas em um fundo branco.
    Photo (Marilyn Monroe and Philippe Halsman – 1959) © Philippe Halsman Archive 2020
    Um homem de terno pula. No fundo se vê uma porta e um guarda-roupa.
    Photo (Richard Nixon – 1959) © Philippe Halsman Archive 2020

    As fotos de Halsman mostram como objetos simples, como um bigode, podem se tornar fotos muito interessantes usando a criatividade e fugindo do convencional. Pratique tirar fotos mais abstratas e compartilhe seus resultados com a gente!

    Links, Referências e Créditos

  • Fotomontagem

    A fotomontagem é resultado de uma expressão artística, da arte moderna. O gênero fotográfico gerou críticas sobre a arte e a cultura.

    Vista do Horizonte de Nova York. A imagem mostra alguns prédios luxuosos e acima, imagens diversas com rostos e feições dramáticas. No fundo da imagem, uma linha com formato de um corpo feminino.
    Grande série do Horizonte de Nova York

    Com o objetivo de criar uma nova imagem, a fotomontagem consiste na combinação de duas ou mais imagens sobrepostas. O gênero fotográfico surge na década de 1850. O sueco Oscar Rejlander, em 1857, apresentou em uma exposição, a alegoria ‘Two Way of Life’ (Duas maneiras de vida), resultado da produção de trinta negativos, em papel fotográfico, que foi combinado em uma única impressão. Semelhantemente, em 1901, Valério Vieiro, torna-se o marco da fotografia, no Brasil, com a composição de “Os Trinta Valérios”, em que o autor combina também, dois gêneros, retrato e fotomontagem.
    O que conhecemos hoje como Fotomontagem é resultado de anos de exploração técnica de processos químicos e físicos, além de novas invenções tecnológicas. Atualmente, com o emprego de novas tecnologias, a técnica de associar fragmentos de imagens, com o intuito de gerar uma nova imagem, pode ser realizada por diferentes processos, veja algumas dessas maneiras de produzir à fotomontagem:
    Colagem: Um dos processos mais simples, consiste em elaborar uma composição tendo como base imagens positivas sobre um suporte, neste caso, papéis, que podem ser apresentados exatamente desta forma, assim como os artistas dadaístas. Outra variante para técnica é a reprodução realizada para gerar negativos, que a partir deles pode-se produzir ampliações. 
    Negativos: Técnica pioneira da fotomontagem. Utiliza-se originais em transparência. Consiste na sobreposição de negativos ou diapositivos, que integra duas ou mais imagens para produzir uma terceira. Essa técnica pode ser projetada, utilizando slides, por exemplo, ou empregada  para conceber ampliações positivas sobre papéis, como é o caso do negativo.
    Dupla ou Múltipla Exposição: Este processo pode ser realizado na própria câmera. O efeito consiste em sobrepor duas ou mais imagens no mesmo frame, a câmera fundirá as partes claras da imagem, o que for escuro irá sobressair na imagem final. Para melhor resultado da imagem é importante manter o mesmo enquadramento em todos os cliques. Utilizando uma superfície fixa ou tripé. 
    Confira um exercício,  passo a passo:
      1. Posicione um objeto ou modelo no ambiente;
      1. Selecione o  modo de múltiplas exposições da câmera e configure a quantidade de cliques que você quer sobrepor;
      2. Faça uma fotometria, observe a exposição e configure para exata exposição;
      3. Tire a primeira foto, reposicione o objeto e faça a segunda foto. E assim sucessivamente, caso opte por múltipla exposição;
      4. Após à execução de todos os cliques, a própria  câmera processará o arquivo e exibirá a imagem finalizada.
    Embora a técnica seja conhecida desde a segunda metade do séc. XIX. Foram as vanguardas modernistas que mais fizeram uso, deixando um legado como gênero fotográfico. Muitos artistas aderiram a técnica  e agregaram a ela  diferentes características.  Anita Steckel (1930–2012) foi uma dessas artista. A feminista americana, de estilo irreverente e ousada ficou conhecida por suas fotomontagens e pinturas com imagens eróticas.  Em suas composições, ela explorou  temas como sexismo, racismo, e questões sócio-políticas. 
     
    Vista de grandes edifícios. No Empire State uma está pendurada nua.
    Mulher Gigante no Empire State Building


    Na série de obras “mulheres gigantes”, Steckel produz a composição “mulher gigante no Empire State Building”  em que ela sobrepõe na fotografia da cidade de Nova York,  pinturas e fragmentos de um auto retrato, ela como uma gigante mulher nua pendurada no edifício Empire State. Essa fotomontagem remete ao movimento de reivindicação das mulheres, ela explora ideais de feminismo, urbanismo, sexismo, racismo e história. 

    E aí o que achou sobre a fotomontagem? Inspire-se com Anita steckel ou teste  umas das técnicas apresentadas. Publique o resultado em nossas redes ou deixe seu comentário no nosso grupo de discussão.  
     
    Referências
    FOTOMONTAGEM . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2020. Disponível em <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/termo3870/fotomontagem>. Acesso em: 14 de Jun. 2020. Verbete da Enciclopédia.
    Fineman, Mia. Faking It: Manipulated Photography Before Photoshop. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2012. no. 51, pp. 74, 220.