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  • Splashes

    Splashes podem resultar em fotos incríveis. A imprevisibilidade de como as gotas irão se comportar é capaz de gerar fotos únicas a cada disparo. Fotógrafos que gostam desse tema são verdadeiros artistas pois é preciso muita criatividade, inspiração e paciência para conseguir a “gota perfeita”.


    Splashes podem resultar em fotos incríveis. A imprevisibilidade de como as gotas irão se comportar é capaz de gerar fotos únicas a cada disparo. Fotógrafos que gostam desse tema são verdadeiros artistas pois é preciso muita criatividade, inspiração e paciência para conseguir a “gota perfeita”.

    Uma imagem em dois tons: amarelo na esquerda e azul na direita. Mostra um splash centralizado que remete à figura de uma pessoa usando chapéu na cabeça, com o resto do corpo coberto por uma espécie de guarda chuva
    Twins | Markus Reugels

    Boa parte dos fotógrafos prefere utilizar um estúdio. Assim, podem regular o cenário de acordo com o desejado e ter mais controle sobre todo o processo. É importante ressaltar que tudo faz diferença: o recipiente para o líquido; o tipo, a cor e a espessura do líquido; o tamanho da gota e a altura de onde ela vai cair…

    Não há uma forma única para fotografias de splash, mas algumas dicas podem ser úteis. Usar uma velocidade rápida do obturador, uma abertura grande do diafragma, iluminação artificial colorida, lentes macro e pós-processamento são fatores que podem otimizar sua foto.

    Martin Waugh é físico, formado na universidade de Oregon, EUA. Ele tem um projeto chamado Liquid Sculpture (Escultura Líquida), em que ele fotografa gotas de água e splashes. Para tal, precisa utilizar velocidades muito rápidas para capturar as gotículas com nitidez. O resultado final de suas fotos é fascinante.

    Uma imagem basicamente em azul, mas é possível ver tons de vermelho, amarelo e verde na região central. Mostra um splash centralizado que remete à figura de um dinossauro saindo de dentro da água
    Gooseasaurus 2 | Martin Waugh
    No registro acima,chamado Gooseasaurus 2, é possível ver as ondas que se formam após um splash. Aqui, Martin se preocupou também com a iluminação, adicionando uma espécie de arco-íris à imagem. É interessante ver como o líquido se comporta após o impacto, dando realmente a impressão de que é dinossauro saindo da água. Uma gotinha que se desprendeu em pleno ar também chama a atenção. São detalhes que o olho humano não seria capaz de ver na velocidade real.

    Que tal praticar? Utilize alguns objetos acessíveis que você tenha em casa, como copo e uma lanterna para testar o efeito. Use a tag #fotografetododia e compartilhe com a gente!
  • Regra dos terços

    Regra dos terços

    Fotografar é compartilhar sentidos, e para isso saber compor uma fotografia torna-se essencial. Assim, um dos mais conhecidos e importantes artifícios técnicos de composição fotográfica, é a regra dos terços que tem como finalidade favorecer a captura de uma imagem coerente e natural de se ver.
    Fotografar é compartilhar sentidos, e para isso saber compor uma fotografia torna-se essencial. Assim, um dos mais conhecidos e importantes artifícios técnicos de composição fotográfica, é a regra dos terços que tem como finalidade favorecer a captura de uma imagem coerente e natural de se ver.
    Registro fotográfico do artista. O céu é bastante azul, contrasta com algumas nuvens brancas e coqueiros no plano de fundo. No plano em foco, está um jovem negro, recuado à direita. Ele usa um short preto e um chapéu de palha. Uma corda atravessa seus ombros, e ele a segura com as mãos.
    Walter Firmo – Praia Grande e Senzala.

    A regra dos terços consiste em um exercício visual onde o fotógrafo posicionará o elemento mais atraente nos pontos privilegiados localizados nas intersecções das linhas imaginárias verticais e horizontais que se cruzam e dividem o quadro fotográfico em 9 seções retangulares iguais. Esse artifício técnico tem como finalidade trazer o equilíbrio para fotografia uma vez que o elemento principal a ser destacado não estará centralizado. Dessa forma, este enquadramento resulta em uma imagem contrabalançada e harmônica.

    linhas verticais e horizontais que se cruzam e dividem o quadro fotográfico em 9 seções retangulares iguais. Nas intersecções centrais, há pontos azuis, que indicam os locais privilégiados da fotografia.
    Registro visual da Regra dos terços

    Walter Firmo renomado fotógrafo brasileiro, conhecido pelo gosto por temáticas que envolvem a figura humana, é adepto ao uso desta técnica. Em algumas de suas fotografias, ele explora visualmente a harmonia natural de uma composição não centralizada.

    Reprodução fotográfica do artista. O cantor Pixinguinha está sentado, inclinado  em uma cadeira de balanço. Nas mãos ele segura um saxofone dourado. O ambiente é o  quintal de sua casa, onde há uma árvore na direita, com um pequeno muro em volta. No plano de fundo, há um vaso azul com planta. Há ainda algumas poucas folhas secas no chão espalhadas.
    Walter Firmo – Maestro Pinxiguinha, Ramos Rio de Janeiro, 1968

    Firmo em 1968, compõe uma de suas fotografias mais clássicas retratando o músico Pixinguinha no quintal de sua casa em Olaria, onde o cantor e instrumentista aparece sentado na cadeira de balanço segurando um saxofone. Esta fotografia nos remete a uma tarde de repouso e tranquilidade. Perceba o visual de uma composição em que Pixinguinha aparece mais a esquerda em um segundo plano enquanto no primeiro plano há uma árvore que ambientaliza a cena.


    Utilize essa  regra para enfatizar diferentes elementos de um mesmo ambiente ou uma mesma cena.  Publique em nosso grupo com a tag #fotografetododia!

  • O que é fotojornalismo?

    O que é fotojornalismo?

    Fotos são registros do mundo real dotados de informações visuais a respeito do que foi registrado. Possuem possibilidades praticamente inesgotáveis, indo de ensaios artísticos a registros de festas de casamento ou aniversários, além de momentos importantes para a história da humanidade como guerras e manifestações. As fotos registram tais eventos no momento em que eles acontecem, permitindo que possamos revisitá-los através das imagens produzidas. Mas, o que diferencia uma fotografia do cotidiano tirada despretensiosamente de um trabalho fotojornalístico?

    Na imagem, policiais uniformizados, com capacetes e cassetetes fazem uma abordagem truculenta frente a um homem, no meio de uma rua e em plena luz do dia. Pessoas são vistas ao fundo, algumas assistem a cena e outras parecem correr. O homem abordado é visto no primeiro plano e cai na tentativa de fugir.
    Esta fotografia de Evandro Teixeira é um dos grandes registros da ditadura militar no Brasil. Na época, opositores ao governo eram perseguidos, presos, interrogados e muitas das vezes torturados e mortos.

    O professor e pesquisador Jorge Pedro Sousa (2002) escreveu muito a respeito do fotojornalismo e o define como uma atividade fotográfica em que há por fim a documentação ou a informação. Ele ainda diferencia fotojornalismo de fotodocumentarismo, sendo o tempo dedicado a cada atividade, atrelado às diferentes metodologias de trabalho, o que delimita essa diferença. Enquanto o fotodocumentarista tende a trabalhar por projeto, se dedicando por mais tempo ao tema, escolhendo métodos de elaboração e abordagem; o fotojornalista, por sua vez, lida com acontecimentos imprevistos, fatos cotidianos e ainda deve atender às demandas da empresa na qual trabalha.

    Os três artistas aparecem deitados em mesas de um bar, durante a comemoração do aniversário de Vinicius de Moraes.
    Nesta foto, Evandro Teixeira registrou um momento de descontração entre Chico Buarque de Hollanda, Tom Jobim e Vinícius de Moraes, grandes nomes da música, composição e literatura brasileiras, respectivamente. A ocasião tratava-se do aniversário de Morais.

    Nesse sentido, Angie Biondi (2014), professora e pesquisadora, no capítulo “Fotojornalismo: um campo, uma atividade ou um objeto”, do livro “Para entender o jornalismo”, deixa demarcados dois gêneros para compreender as relações que se desenvolvem entre o fotojornalista e os fatos registrados. São eles spot news e feature photos. O primeiro se refere aos flagrantes, quando o fotojornalista presencia o fato e rapidamente precisa registrá-lo no momento em que ele se desenrola, não tendo assim muito controle sobre a foto. Já o segundo é mais aplicado às reportagens, onde as imagens produzidas servem mais como modo de “ilustrar, exemplificar ou comprovar” o ocorrido, passando por uma elaboração prévia, como explica Biondi. De certo, a ideia de feature photos parece se mesclar à de fotodocumentarismo, mas é importante lembrar que tais divisões não constituem um conceito fechado, e sim, como apontado pela própria autora, servem para “orientar o entendimento sobre a produção fotojornalística”.

    Jorge Pedro Sousa (2002) coloca como questão em um de seus livros se todas as fotografias publicadas em jornais e revistas seriam de fato fotojornalísticas, e esclarece que, para ser considerada como tal, a fotografia precisa possuir valor jornalístico, ou, valor-notícia, levando informações de relevância junto ao texto que constitui. Então, não basta que a foto seja um registro de um acontecimento do cotidiano, até porque, todos os dias, milhares de eventos ocorrem em todos os cantos do mundo, e não são todos que se tornam notícia, principalmente ao se fazer delimitações de relevância, como o impacto regional, nacional ou mundial. Para que a foto seja jornalística, ela precisa possuir um caráter informativo e, em geral, estar acompanhada por uma notícia ou reportagem, uma vez que não é possível passar muitas informações importantes apenas através da linguagem visual. 

    No texto “Usos Jornalísticos da Fotografia”, a autora Dulcilia Buitoni (2011), usando como referência o pesquisador espanhol Pepe Baeza, explica que, para ser considerada fotojornalística, a foto tem que ter sido planejada pelo corpo editorial da mídia na qual é veiculada, seja a imagem produzida pelos jornalistas da empresa ou comprada, diferenciando-se assim das fotografias publicitárias, que também são veiculadas por esses meios.

    Um bom exemplo de fotojornalista é o baiano Evandro Teixeira, que possui trabalhos diversificados na área, tendo registrado momentos marcantes da história do Brasil a partir da década de 60. As fotografias que aparecem ao longo deste artigo são de sua autoria, sendo possível notar a variedade de temas possíveis de serem trabalhados. Como última imagem, destaco este retrato feito na comunidade Vila do João, no Rio de Janeiro, em 1988. Construído como conjunto habitacional pelo Governo Federal em 1982, a comunidade tornou-se uma das favelas que compõem o Complexo da Maré, onde questões envolvendo a violência e o crime organizado são presentes até hoje. Trata-se de uma construção do fotógrafo, com o cadáver ao fundo e um menino sorrindo à frente da câmera, sendo uma representação do contraste entre a inocência das crianças que lá vivem e a realidade que as cerca.

    Um menino negro, de cabelos crespos e sem camisa sorri para a câmera em primeiro plano. Ao fundo, no chão, é possível ver o cadáver ensanguentado de um homem. Ao lado do menino, uma pessoa observa a cena com os braços cruzados, e outras são vistas fazendo o mesmo, sentadas no meio-fio da calçada do outro lado da rua
    Evandro Teixeira fez um registro perturbador na comunidade Vila do João, no Rio de Janeiro, em 1988. Nela, um menino sorri para a câmera enquanto um cadáver é visto no chão ao fundo.

    Assim, o fotojornalismo pode ser entendido como sobretudo, imagens produzidas a fins de registro de acontecimentos em diálogo com os critérios de noticiabilidade jornalísticos, também atendendo aos propósitos editoriais da empresa que a irá publicar. Os temas possíveis de serem trabalhados são tão diversos como as múltiplas possibilidades da vida cotidiana. Muitas vezes, algo sutil pode se transformar em um grande registro, e imagens que de início destinam-se a circulação por meio de jornais, revistas e demais meios jornalísticos podem um dia serem vistas expostas em museus ou livros próprios à memória, crítica, análise e apreciação de imagens fotográficas, destacando tanto o momento histórico congelado ali quanto as características técnicas e subjetivas trabalhadas pelo fotógrafo.

    Referências: 

    BIONDI, Angie. Fotojornalismo: um campo, uma atividade ou um objeto. In: LEAL, Bruno; ANTUNES, Elton; VAZ, Paulo Bernardo. Para entender o jornalismo. 1ª ed. Belo Horizonte: Editora Autêntica, 2014, p. 171-178.

    SOUSA, Jorge Pedro. Fotojornalismo: Uma introdução à história, às técnicas e à linguagem da fotografia na imprensa. 1ª ed. Porto: Editora Letras Contemporâneas, 2002

    BUITONI, Dulcilia. Usos Jornalísticos Da Fotografia: Informação, Ilustração. Expressão. In: Fotografia e Jornalismo: a informação pela imagem. São Paulo: Editora Saraiva, 2011
    GUERRA de Tóxico – Vila do João, Rio de Janeiro RJ. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: 23 de Fev. de 2017. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/obra28762/guerra-de-toxico-vila-do-joao-rio-de-janeiro-rj>. Acesso em: 24 de Out. de 2019.
    SANTORO, Giovanna; PELLUSO, Tayana. “O pintor cria a própria arte; o fotógrafo conta com os fatos”. Portal PUC Rio Digital. Rio de Janeiro: 26 de Nov. de 2015. Disponível em: <http://puc-riodigital.com.puc-rio.br/cgi/cgilua.exe/sys/start.htm?infoid=27091&sid=55> Acesso em: 24 de Out. de 2019
    FOTOS de Evandro Teixeira ao longo de 50 anos de carreira. In: O Globo. São Paulo: 24 de Set. de 2014. Disponível em: <https://oglobo.globo.com/cultura/fotos-de-evandro-teixeira-ao-longo-dos-50-anos-de-carreira-14033861> Acesso em 24 de Out. de 2019.

  • Fundo desfocado

    Fundo desfocado

    Um dos efeitos que as pessoas mais buscam quando fazem um retrato, é aquele fundo que aparece desfocado e que dá um charme especial à imagem. Este desfoque está ligado a profundidade de campo. Uma foto com profundidade de pequena tem apenas um item focado, deixando o restante desfocado.


    Um dos efeitos que as pessoas mais buscam quando fazem um retrato, é aquele fundo que aparece desfocado e que dá um charme especial à imagem. Este desfoque está ligado a profundidade de campo. Uma foto com profundidade de pequena tem apenas um item focado, deixando o restante desfocado.

    A imagem mostra o rosto de uma jovem de origem afegã, com um tecido de cor terrosa  enrolando sua cabeça, e seus olhos verdes muito vívidos e penetrantes olhando diretamente para a câmera fotográfica. O fundo do retrato se encontra desfocado, mas parece ser uma parede de madeira pintada na cor verde escuro.
     Steve McCurry – Menina Afegã

    Controlando a profundidade

    Podemos controlar a profundidade de campo a partir de três elementos: a abertura, a distância focal e a distância do objeto focado. Com a abertura grande, a distância focal grande e o objeto focado próximo, a profundidade de campo será pequena, ou seja, o fundo da foto ficará desfocado.

    Apesar de ser um pouco mais difícil, podemos chegar no mesmo efeito a partir das câmeras de Smartphones. Se aproxime o máximo possível do objeto a ser fotografado, e veja que o fundo da foto se encontrará com menos foco, chegando ao resultado desejado.

    Steve McCurry, fotógrafo que ficou famoso pela National Geographic, e que possui dezenas de fotos em capas de revistas e livros, costuma utilizar a técnica de fundos desfocados em seus retratos. Um exemplo é uma de suas fotos mais conhecidas, “Menina Afegã”, onde podemos observar o fundo desfocado. Ele também possui outras fotos com a técnica do fundo desfocado. 

    A imagem mostra duas meninas na Indonésia olhando para lados opostos. A primeira parece estar usando uma blusa verde com alças. A outra se encontra com o que parece ser uma blusa azul com bordados, de manga longa. As mãos se encontram sobre o queixo, e as unhas das estão pintadas na cor rosa. Elas estão tentando se proteger da chuva com uma peneira feita de palha, que a primeira menina segura sobre as suas cabeças. O fundo da foto se encontra desfocado, num tom de verde folha.

    Steve McCurry – Java, Indonésia.

    Aqui também podemos encontrar o fundo desfocado. Podemos observar mais claramente nesta foto a técnica descrita acima, a profundidade de campo pequena desfoca o fundo da fotografia e foca em apenas um objeto, deixando destaque maior nas meninas fotografadas tentando se proteger da chuva.

    #artigos é uma coluna de caráter ensaístico e teórico. Trata-se de uma série de textos dissertativos por meio do qual o autor propõe uma reflexão fundamentada acerca de um ou mais elementos que constituem a cultura fotográfica. Quer conhecer melhor a coluna #artigos? É só seguir este link.

    #fotografetododia Siga as dicas dadas acima, tire suas fotos, teste diferentes profundidades de campo para obter maior ou menor desfoque. Use a nossa hashtag. Mostre o resultado final das suas fotos!!

    Referências

    • CARROLL, Henry. Leia isto se quer tirar fotos incríveis de gente (tradução Edson Furmankiewicz). São Paulo: Gustavo Gili, 2015. Págs.40-41.
    • FOLTS, James A; LOVELL, Ronald P.; ZWAHLEN, Fred C. Manual de fotografia. São Paulo: Pioneira 2007. Págs. 33-38. 
    • LANGFORD, Michael John; FOX, Anna; SMITH, Richard Sawdon. Fotografia básica de Langford: guia completo para fotógrafos. 8.ed. Porto Alegre: Bookman 2009. Págs. 60-63. 
    • PhotoPro: Fundo desfocado e a profundidade de campo
    • Falando de Foto: Profundidade de Campo
    • Galeria de Steven McCurry

    Links:

    https://culturafotografica.com.br/fotografetododia-fundo-desfocado/

     
  • Tales By Light

    Tales By Light

    Procurando conteúdo interessante sobre fotografia? A gente têm uma #dicade série!
    Pôster da primeira temporada (Netflix)


    Tales By Light é uma série da Netflix sobre fotografia para quem tem interesse em saber mais sobre como é o processo de criativo de fotógrafos com trabalhos incríveis, como Krystle Wright, Richard I’Anson e Stephen Dupont. A série também é atrativa para aqueles que gostam de viajar, pois cada episódio nos leva a destinos muito peculiares, das selvas de Uganda às ilhas da Indonésia.

    Através de uma bela cinematografia, Tales By Light busca mostrar como é a relação dos fotógrafos com o que é fotografado, os desafios que enfrentam e a preocupação em tentar estabelecer algum tipo de conexão com o que será registrado, sejam estes objetos culturais ou naturais.

    A série já está na sua terceira temporada e cada episódio traz um profissional que apresenta o projeto no qual está trabalhando, enquanto conta sua história e expõe suas ideias em relação a atividade de fotografar. No primeiro episódio da terceira temporada, por exemplo, podemos ver o fotógrafo Simon Lister registrando, em parceria com a UNICEF, o problema da exploração do trabalho infantil e da extrema pobreza em Bangladesh.

    Apesar de ser uma boa opção de entretenimento, alguns podem achar os episódios sobre a natureza um tanto monótonos. Entretanto, a série não perde a capacidade de inspirar e emocionar. Ao tentar exibir outros pontos de vista, Tales by Light facilita nosso encontro com outras ideias e direções, mesmo que por breves vinte minutos.

  • Velocidade

    Será que o olho humano consegue realmente ver tudo o que ocorre durante seu dia? A resposta para essa questão tão simples pode ser solucionada quando pensamos na velocidade do que tudo acontece à nossa volta. O que o olho não capta, as lentes de um fotógrafo com a velocidade do obturador correta consegue mostrar.
    Será que o olho humano consegue realmente ver tudo o que ocorre durante seu dia? A resposta para essa questão tão simples pode ser solucionada quando pensamos na velocidade do que tudo acontece à nossa volta. O que o olho não capta, as lentes de um fotógrafo com a velocidade do obturador correta consegue mostrar.

    Um homem tocando violoncelo. Imagem em preto e branco.
    Anton Giulio Bragaglia, violoncelista, 1913
    A velocidade do obturador ou o tempo de exposição tem a função de controlar o modo como a luz e o movimento são registrados na imagem fotográfica. Partindo da escolha do fotógrafo, teremos uma foto nítida de um exato momento, ou, teremos a poesia de não saber de que se trata aqueles riscos de luz em frente a nossa tela, atualmente, chamados de Light Painting (pintura com luz).
    O futurismo com a ideia de deslocamento e dinâmica, conseguiu através de seu movimento vanguardista artístico na fotografia trazer aspectos que fazem total diferença nos dias atuais, tal como capturar cenas que os olhos humanos não são capazes de enxergar.
    Os irmãos Anton Giulio e Arturo Bragaglia exploravam criativamente o tempo de exposição em suas fotografias. A forma como esses artistas faziam suas imagens era devido ao fato de estarem impressionados pela nova era da máquina e embalados com o futurismo. Eles buscavam representar o movimento e a própria sensação dinâmica. Ao expor a velocidade do obturador ao um longo período de tempo, era possível captar imagens fantásticas de estímulos muitas vezes dados como simplórios.
    Será que o olho humano consegue realmente ver tudo o que ocorre durante seu dia? A resposta para essa questão tão simples pode ser solucionada quando pensamos na velocidade do que tudo acontece à nossa volta. O que o olho não capta, as lentes de um fotógrafo com a velocidade do obturador correta consegue mostrar.

     Um homem acendendo e fumando seu cigarro. Imagem em preto e branco.
    Anton Giulio Bragaglia, Arturo Bragaglia. O fumante – o fósforo – o cigarro 1911
    Essa foto é um belo exemplo do trabalho dos irmãos. Na imagem é possível observar os detalhes de um homem acendendo o fósforo, o cigarro e logo após fumando-o. A forma como a fumaça deixa rastros na fotografia é bem significativa, traz um aspecto de real e ao mesmo tempo abstrato. Fugindo do instantâneo, os Bragaglia fizeram história com o fotodinamismo futurista, deixando assim verdadeiras obras de arte para o mundo contemporâneo.
    Referências:
  • Congelar um movimento

    Uma técnica muito utilizada por fotógrafos é a de congelar o movimento. Dessa forma, o objeto principal pode parecer imóvel, como se o tempo fosse, de fato, congelado. Para criar esse efeito, é preciso ajustar a velocidade do obturador.

    Uma técnica muito utilizada por fotógrafos é a de congelar o movimento. Dessa forma, o objeto principal pode parecer imóvel, como se o tempo fosse, de fato, congelado. Para criar esse efeito, é preciso ajustar a velocidade do obturador.

    Michael Phelps e Chad le Clos lado a lado durante uma etapa da natação durante os Jogos Olímpicos do Rio de Janeiro em 2016.
    David Ramos / Getty Images


    Para congelar um movimento, é necessária uma velocidade alta. A velocidade ideal vai depender do que você estiver fotografando. O tempo de exposição para congelar um carro de corrida vai ser muito menor do que o necessário para congelar uma pessoa andando, por exemplo.
    Nas câmeras em geral, existe um modo “prioridade de velocidade do obturador”, em que você define apenas a velocidade e a máquina ajusta o ISO e a abertura automaticamente, de acordo com a situação. Se preferir, pode também utilizar o modo manual e configurar esses controles da maneira que achar mais adequado.
    David Ramos é formado em fotografia e comunicação pela Universidade Politécnica da Catalunha. Trabalha para o Getty Images desde 2010, cobrindo notícias e eventos esportivos por todo o mundo. Para fotografar atletas em ação, David precisa utilizar velocidades muito rápidas para capturar imagens com nitidez.

    Dois boxeadores lutam entre si durante um duelo pelos Jogos Olímpicos do Rio de Janeiro em 2016
    David Ramos / Getty Images
    Com uma velocidade alta, foi possível capturar o momento em que o lutador de vermelho foi atingido por um soco. Pode-se ver seu rosto ainda deformado e as gotas de suor voam pelo ar. São detalhes que o olho humano não são capazes de enxergam na velocidade real.
    E aí, que tal pegar sua câmera e praticar? Dá pra capturar carros na estrada, pessoas andando de bicicleta, de skate ou até correndo! Use a tag #fotografetododia e compartilhe com a gente!


    Referências

    • Leia isto se quer tirar fotos incríveis – Henry Carroll

  • Félix Nadar

    Quando Gaspard-Félix Tournachon, mais conhecido como Félix Nadar, começou a fotografar, em 1853, com o objetivo de registrar retratos que pudessem lhe servir de referência para a elaboração das caricaturas de sua obra, o Panteão Nadar, não imaginava que a fotografia se tornaria seu principal ofício.
    Autorretrato de Félix Nadar
    Autorretrato de Félix Nadar
    Tampouco, que os retratos produzidos nesse período estariam entre os mais conhecidos de sua vasta produção, tanto em função das personalidades da política ou da cultura que que foram retratadas, quanto em razão da qualidade das imagens. São retratos nos quais os fotografados se posicionam para câmera com naturalidade. Sem recorrer aos cenários, figurinos e poses que caracterizam a prática comercial da fotografia na época, nesses retratos, Nadar servia-se apenas da luz e do gesto para destacar a personalidade fotografada. Ele fotografava como um desenhista ou um pintor, respeitando os cânones já estabelecidos, mas utilizando uma nova tecnologia de fazer visível. A contribuição de Nadar para a fotografia não se limita apenas aos retratos que produziu. Ele também foi o primeiro fotógrafo a realizar tomadas aéreas, durante um sobrevoo por Paris em 1858, e a realizar tomadas subterrâneas com o auxílio de iluminação artificial, nas catacumbas, em 1861, e nos esgotos de Paris, em 1864.

  • Como criar uma fotografia

    Editora Gustavo Gili
    O livro Como criar uma fotografia, escrito pelo fotógrafo e professor Mike Simmons, tem como tese principal a oposição entre tirar fotos e fazer fotografias. Tirar fotos pressupõe uma abordagem simples e casual do objeto fotografado. Em contrapartida, para fazer fotografias é preciso que o fotógrafo desenvolva um processo estruturado que lhe ofereça as condições necessárias para explorar profundamente o objeto que será fotografado.

    Na raiz dessa questão está o confronto entre duas maneiras de conceber a fotografia: uma passiva, que reduz o fotógrafo a um mero operador da câmera fotográfica, que seria responsável pela registro automático da imagem captada; outra ativa, em que o fotógrafo utiliza o aparelho fotográfico como um instrumento para se aproximar do objeto fotografado e produzir um conhecimento sobre ele.

    O livro é apresentado como um guia com base no qual o leitor pode orientar o desenvolvimento de seu processo criativo, desde a concepção do projeto fotográfico até sua publicação, passando pelas etapas de desenvolvimento. Seu conteúdo está organizado em seis capítulos, cada um composto pela discussão de um tema, por um estudo de caso e por um exercício. Em todos eles, Simmons apresenta e comenta uma grande variedade de obras fotográficas. Dessa maneira, aborda diferentes práticas e técnicas fotográficas. No entanto, sem aprofundar nelas, pois o foco do livro é o processo fotográfico.

    Mike Simmons – Editora Gustavo Gili
    Orientar o desenvolvimento do processo de criação de uma fotografia ou de uma série fotográfica é uma tarefa que comporta muitos riscos porque o processo criativo se desenvolve no encontro do fotógrafo com o objeto fotografado e, por isso, é sempre único. Nesse sentido, o leitor não deve ler este livro como se estivesse seguindo uma receita na qual cada etapa deve ser cumprida conforme descrita para que dê certo.
    Entretanto, o debate e a reflexão acerca dos processos criativos de outros fotógrafos pode ser uma ótima referência para o desenvolvimento do próprio processo de criação. Nessa perspectiva, o livro Como criar uma fotografia deve ser lido como se fosse um roteiro de viagem, no qual a experiência de outros fotógrafos serve para balizar o percurso do leitor. Dessa maneira, percorrer o caminho sugerido por Simmons, perder-se e realizar as próprias descobertas constitui aquilo que de mais rico este livro tem a oferecer.
    FICHA TÉCNICA
    Título: Como criar uma fotografia
    Autor: Mike Simmons
    Editora: Gustavo Gili

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